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Markenstreit im Finanzsektor: Sparkassenverband geht gegen Logos von Sauren und Scalable Capital vor – Design Tagebuch


Der Deutsche Sparkassen- und Giroverband (DSGV) geht derzeit rechtlich gegen die Markenauftritte zweier Finanzunternehmen vor. Sowohl beim Kölner Fondsanbieter Sauren als auch beim Münchener Online-Broker Scalable Capital stört sich der Verband an der Gestaltung der jeweiligen Logobildmarken. In beiden Fällen steht die Abstraktion und Auslegung des Buchstabens „S“ im Mittelpunkt der Auseinandersetzung. Im Design Tagebuch werden beide Fälle vorgestellt, im Markenrecht eingeordnet und unter Designkriterien im Detail bewertet.

Die Ausgangslage und die Positionen im Fall Sauren

Der Kölner Fondsanbieter Sauren stellte im Juli 2026 seinen überarbeiteten Markenauftritt vor (siehe Visual). Das neue Signet, das beim Deutschen Patent- und Markenamt eingetragen wurde (DPMA Registernummer 3020261036453), basiert auf einer geometrischen Kombination aus Kreis und Quadrat, die auch als Buchstabe „S“ angesehen werden kann. Farblich setzt das Unternehmen auf ein leuchtendes, tiefes Blau. Laut Unternehmensgründer Eckhard Sauren wurde im Vorfeld eine Identitätsrecherche durchgeführt; Markenanwälte stuften den Abstand zum Sparkassen-Logo demnach als ausreichend ein, eine Verwechslungsgefahr wurde nicht gesehen. Der DSGV hat ein Widerspruchsverfahren gegen die beim Deutschen Patent- und Markenamt hinterlegte Marke eingeleitet.

Ende Juli 2026 forderte der DSGV Sauren über eine Anwaltskanzlei auf, das Signet nicht mehr zu verwenden, und erwirkte eine einstweilige Verfügung beim Landgericht Hamburg. Der DSGV sieht in der Gestaltung eine zu große Nähe zum eigenen geschützten Markenzeichen. Sauren setzte die Verwendung des Logos daraufhin gezwungenermaßen aus, ohne jedoch die geforderte Unterlassungserklärung abzugeben. Angebotene Kompromisse seitens Sauren – etwa die ausschließliche Nutzung des S-Signets in Verbindung mit dem Markennamen Sauren – wurden vom Verband abgelehnt. Sauren kündigte an, den Rechtsweg durch die Instanzen zu beschreiten.

Markenrechtsexperten schätzen die juristische Lage unterschiedlich ein. Einerseits wird betont, dass bekannten Marken ein erweiterter Schutzbereich zusteht. Andererseits wird darauf verwiesen, dass sich die Farbgestaltung (Blau statt Rot) deutlich unterscheidet und fraglich ist, ob die geometrische Form von Zielgruppen überhaupt primär als „S“ wahrgenommen wird. In einer Podcast-Folge des Finanzmediums „Das Investment“ äußert sich Eckhard Sauren persönlich zu diesem Fall.

Der Fall Scalable Capital und historische Parallelen

Wie der Informationsdienst Platow berichtet, fordert der DSGV auch vom Online-Broker Scalable Capital, die Logobildmarke nicht mehr weiter zu nutzen. Auch hier unterscheidet sich das Signet farblich (mintgrün) vom Sparkassen-Rot. Streitpunkt ist ebenfalls die grafische Ausgestaltung des Buchstabens „S“. Branchenbeobachter verweisen darauf, dass die Auseinandersetzung mit Scalable Capital vor dem Hintergrund des neuen Brokerage-Angebots der Sparkassen („S-Neo“) eine zusätzliche Marktkomponente erhält.

Der DSGV verteidigt seine visuellen Markenrechte seit Jahren strikt. Schon 2016 setzte der Verband in einem jahrelangen Rechtsstreit mit der spanischen Santander-Bank vor dem Bundesgerichtshof den Schutz seiner roten Farbmarke (HKS 13) durch, was Santander schließlich zu einer Anpassung des Farbauftritts veranlasste (Quelle: Spiegel.de).

Einordnung im Markenrecht

Bevor ich im Detail auf das Design und die Gestalt der Zeichen eingehe, soll zunächst eine Einordnung im Hinblick auf das Markenrecht erfolgen. Im Markenrecht ist der Grundsatz fest etabliert, dass bekannte Marken (Wortmarken, Bildmarken) einen größeren Schutzbereich genießen als durchschnittlich bekannte oder unbekannte Marken. Dies ist in Literatur und der Rechtsprechung weitestgehend unstrittig und greift auch in Fällen wie dem Streit um stilisierte Buchstaben-Logos.

Konkret bedeutet das:

  • Bei der Prüfung der Verwechslungsgefahr (§ 14 Abs. 2 Nr. 2 MarkenG bzw. Art. 8 Abs. 1 lit. b UMV) werden mildere Anforderungen an die Zeichenähnlichkeit gestellt. Schon eine geringere visuelle, klangliche oder gedankliche Nähe kann demnach ausreichen, weil die bekannte Marke eine höhere Kennzeichnungskraft und einen breiteren Aufmerksamkeitsschutz besitzt.
  • Darüber hinaus greift der erweiterte Bekanntheitsschutz (§ 14 Abs. 2 Nr. 3 MarkenG / Art. 8 Abs. 5 UMV): Die Inhaberin einer Marke kann gegen die Ausnutzung (Rufausbeutung), Beeinträchtigung (Rufbeeinträchtigung) oder Verwässerung der Unterscheidungskraft vorgehen – und zwar auch bei unähnlichen Waren und Dienstleistungen. Voraussetzung ist eine gedankliche Verbindung und eine ohne rechtfertigenden Grund erfolgende Nutzung.
  • Die Bekanntheit muss in den relevanten Verkehrskreisen nachgewiesen werden; bei Markenzeichen mit großer Bekanntheit wie dem Sparkassen-„S“ (seit Jahrzehnten flächendeckend präsent) kann diese Schwelle in der Praxis als niedrig angesehen werden.

Mit „Verkehrskreisen“ ist im deutschen und europäischen Markenrecht die Gruppe der Personen gemeint, die mit der Marke und den dazugehörigen Waren oder Dienstleistungen typischerweise in Berührung kommt. Ob diese Kreise die geometrischen Formen des Sauren-S oder das grüne „S“ von Scalable Capital mit dem klassischen roten Sparkassen-Zeichen in Verbindung bringen, ist eine der Kernfragen.

Das Deutsche Patent- und Markenamt prüft bei der Anmeldung von Amts wegen nicht, ob die angemeldete Marke mit älteren Marken kollidiert. Für die Design- und Markenpraxis bedeutet das: Die Eintragung bescheinigt nicht die Kollisionsfreiheit – sie bestätigt lediglich, dass ein Zeichen als solches markenfähig ist. Dass das DPMA die Sauren-Bildmarke eingetragen hat, besagt also nicht, dass das Amt keine Verwechslungsgefahr mit dem Sparkassen-S erkannt hätte. Die endgültige Klärung der Verwechslungsgefahr obliegt im Konfliktfall den Gerichten.

Dem dt liegt die vom Landgericht Hamburg erlassene einstweilige Verfügung vor, mit der dem Unternehmen Sauren die Verwendung der Bildmarke vorläufig, bis zur endgültigen Gerichtsentscheidung, untersagt wird. Der DSGV stützt sich demnach „vorrangig auf die Verletzung als bekannte Marke und nachrangig auf die Verletzung wegen Verwechslungsgefahr“. Ferner unterstellt der DSGV, „dass die beteiligten Verkehrskreise die einander gegenüberstehenden Zeichen gedanklich miteinander verknüpfen“.

Anspruchsgrundlage für das Begehren auf Unterlassung der Verwendung des Sauren-S-Signets ist demnach, dass beide Zeichen, das Sauren-S und das Sparkassen-S, „Schutz unter anderem in Klasse 36 für Finanzwesen beanspruchen“.

Dass beide Marken in Klasse 36 (Finanzwesen) der sogenannten Nizza-Klassifikation verzeichnet sind, ist der entscheidende Anknüpfungspunkt, ohne den der DSGV den bloßen Verwechslungsgefahr-Tatbestand gar nicht eröffnen könnte.

Für den Streitfall folgt daraus: Weil die Dienstleistungen (Fondsmanagement, Vermögensverwaltung, Brokerage, Bankdienstleistungen) ähnlich sind, genügt im Kontext des Markenrechts bereits ein geringerer Grad an Zeichenähnlichkeit, um die Verletzung als bekannte Marke zu bejahen.

Maßstab für die Beurteilung einer Verwechslungsgefahr im Markenrecht ist die Wahrnehmung der maßgeblichen Verkehrskreise. Im Hinblick auch auf ähnlich gelagerte Streitfälle (Telekom/Telefónica1) habe ich starke Zweifel daran, dass dieser Maßstab im Rahmen von Rechtsprechung konsequent angewandt wird. Das Markenrecht hat meiner Einschätzung nach mit der Entwicklung der letzten beiden Jahrzehnte nicht Schritt gehalten. Dies betrifft nicht nur dynamische, KI-generierte Inhalte oder sich kontinuierlich verändernde Marken, sondern auch traditionelle Markenformen. Auf letztere gehe ich nachfolgend im Detail ein.

Einordnung des Designs

Im Hinblick auf das Design stellt sich also die Frage: Ist der Grad an Zeichenähnlichkeit so hoch, dass (vorrangig) eine Verletzung der Sparkassenmarke und/oder (nachrangig) eine Verwechslungsgefahr bejaht werden können? Den Markenrechtssprech schieben wir nun beiseite.

Um den Grad der Ähnlichkeit der Zeichen unter Designaspekten bewerten zu können, ist es unabdingbar, die jeweiligen Markenzeichen in ihrer Gesamtheit zu betrachten, so, wie sie üblicherweise von durchschnittlich informierten Menschen/Verbrauchern/Konsumenten wahrgenommen werden: in Farbe.

S-Bildmarke – Sauren Fonds Service, Scalable Capital, Sparkassen, Quelle: Sauren Fonds Service, Scalable Capital, DSGV, Bildmontage: dt
S-Bildmarke – Sauren Fonds Service, Scalable Capital, Sparkassen, Quelle: Google Bildersuche, Scalable Capital, DSGV; Bildmontage: dt; Das Sauren-S (Abb. oben ganz links) ist Gegenstand der Auseinandersetzung vor dem LG Hamburg

Eine Schwarzweiß-Abbildung eines ansonsten farbigen Logos kann im digitalen Zeitalter nicht als eine übliche, verkehrsmäßige Darstellung angesehen werden. Keine der oben aufgeführten Entitäten nutzt ein schwarzes Signet standardmäßig als visuellen Absender. Selbst wenn in seltenen Ausnahmefällen ein ansonsten farbiges Logo einmal in Schwarz abgebildet wird, muss als Grundlage für eine Bewertung unter Designgesichtspunkten die übliche Darstellung herangezogen werden, der Normalfall, nicht die Ausnahme und nicht die Rohform.

Farbgebung ist im gleichen Maße ein zentrales identitätsstiftendes Element wie die Formgebung. Für die Zuordnung eines Zeichens zu einer Marke ist Farbe im Rahmen der Perzeption wesentlich. Ohne Farbe wird beispielsweise aus dem Logo des Roten Kreuzes ein (fettes) Pluszeichen. Erst im Zusammenwirken von Form und Farbe wird aus dem Pluszeichen ein bekanntes Markenzeichen, kann eine (starke) gedankliche Verbindung zur Rotkreuz-Organisation entstehen.

Auch das Sparkassen-S ist in dieser Weise aufgrund jahrzehntelangen Gebrauchs untrennbar mit der Farbe Rot verbunden. Konsumenten und durchschnittlichen Verbrauchern, die stets als Maßstab gelten müssen, begegnet das Sparkassen-S, sei es im öffentlichen Raum, in Print und erst recht in den digitalen Medien, durchweg in Verbindung mit der Farbe Rot. Im Markenportal der Sparkasse ist dies auch so als Vorgabe definiert. Hier heißt es explizit: „Grundsätzlich steht das Markenzeichen in Weiß auf rotem Grund oder in Rot auf weißem Grund.“

Die visuelle Wurzel des Sparkassen-S-Logos reicht auf den Entwurf des Wiener Grafikers Lois Gaigg aus dem Jahr 1938 zurück. Eine Kombination aus einem „S“ und einem Punkt, der eine Münze über einer Spardose symbolisiert. Damals bestand die übliche, verkehrsmäßige Darstellung aus einem schwarzen Signet. Von Otl Aicher (und Team) wurde das Corporate Design einschließlich des Signets 1972 überarbeitet. In einem weiteren Evolutionsschritt wurde im Jahr 2004 beides von der Agentur Interbrand Zintzmeyer & Lux überarbeitet.

Sparkassen-S Logo Evolution, Bildquelle: DSGV, Bildmontage: dt
Sparkassen-S Logo Evolution, Bildquelle: DSGV, Bildmontage: dt

Der DSGV unterstellt, wie bereits erwähnt, „dass die beteiligten Verkehrskreise die einander gegenüberstehenden Zeichen gedanklich miteinander verknüpfen.“ Auch wenn die Beweislast bei dem DSGV liegt – belegen, etwa durch empirische Studien, muss der DSGV eine gedankliche Verbindung nicht zwingend. Es genügt, dass ein Gericht dieser Sichtweise folgt. Wenn Streitparteien geltend machen, dass die richterliche Eigenwahrnehmung von der realen Marktwirklichkeit abweicht, werden verkehrsanalytische Gutachten (Demoskopie) als Beweismittel herangezogen.

Ich halte es im Hinblick auf die beschriebenen üblichen Anwendungskontexte für wenig wahrscheinlich, dass beispielsweise Besucher der Website sauren.de und Anwender der Brokerage-App von Scalable Capital im Zuge der Anwendung aufgrund der Gestaltung des Signets eine gedankliche Verbindung zu der Marke Sparkassen herstellen. Denn das Interface der jeweiligen Anwendung unterscheidet sich nicht nur inhaltlich, im Aufbau und funktionell, sondern auch farblich, grafisch und typografisch grundlegend von jenem Interface, mit dem es Kunden der Sparkassen zu tun haben.

Davon abgesehen sind Anwender in aller Regel mit sehr konkreten Aufgaben und Herausforderungen beschäftigt, etwa dem Auffinden bestimmter Informationen und Funktionen. Die Wahrnehmung ist aufgrund dessen selektiv und folgt dem Bedürfnis (Überweisung tätigen, Kurscharts betrachten, etc.). Die Markenkommunikation von Sauren und von Scalable Capital, unterscheidet sich insgesamt deutlich von jener der Marke Sparkassen, weshalb eine gedankliche Verbindung auch innerhalb von Werbung wenig wahrscheinlich ist, trotz ähnlicher respektive gleicher Leistungen/Produkte. Ob potenzielle Kunden der Sparkassen im Zuge der Rezeption von Werbung/Markenkommunikation der jeweiligen anderen Marke eine gedankliche Verbindung zur Sparkassen-Marke herstellen, ist völlig offen. Die Beweislast liegt auch hier beim Sparkassenverband.

Im Rahmen einer juristischen Beurteilung gibt es die Tendenz, Logos systematisch zu dekonstruieren (Formen, Abstände, Symmetrie). Ein einzelnes Brand Asset (Logo) wird aus dem Zusammenhang (Corporate Design) herausgelöst und solitär betrachtet. Die Perspektive aus Sicht der Anwender/Konsumenten geht dabei oftmals verloren. Überdies führt die Betrachtung eines einzelnen Zeichens in seiner Rohform zwangsläufig zur Bedeutungsverfälschung.

Denn: Ein rotes Signet wird anders wahrgenommen als das gleiche Signet in Schwarz. Auch zwei identische Zeichen, einmal in Schwarz auf weißem Grund, einmal in Weiß auf schwarzem Grund, sind in ihrem Ausdruck unterschiedlich, worauf schon Adrian Frutiger hingewiesen hat2. Die spezifische Umgebung und der jeweilige Kontext beeinflussen maßgeblich, wie Farben, Formen und Zeichen wahrgenommen werden. Sie werden erst durch die Relation zu ihrer Umgebung erschaffen und definiert. Ein „+“ ist im Kontext Mathematik und Wirtschaft/Finanzen ein Pluszeichen, in anderen Kontexten wird das Zeichen als Kreuz angesehen. Diese Relativität der Wahrnehmung ist das Fundament der psychologischen und linguistischen Disziplinen und wird durch empirische wie neurowissenschaftliche Untersuchungen seit über 150 Jahren zweifelsfrei belegt3. Das als „TheDress“ bekannt gewordene Foto eines blau-schwarzen oder eines weiß-goldenen Kleides veranschaulicht, dass schon die Annahme über die spezifische Umgebung ausreicht, in diesem Fall von Lichtverhältnissen, um zu einer unterschiedlichen Auffassung hinsichtlich der Farbe des Kleides zu gelangen. Dass im Markenrecht regelmäßig diese Wirkmechanismen und Kontexte ausgeblendet werden, entbehrt jener normativen Grundlage, auf die sich das Markenrecht eigentlich stützt.

Als Designer wissen wir um die Macht und die Wirkung von Farbe – weniger visuell geschulte Menschen spüren diese. Noch stärker als in ihrer Form, auf die ich gleich eingehen werde, unterscheiden sich die oben abgebildeten drei S-Signets in ihrer Farbe. Im Zuge der Perzeption (Konsumentensicht) erfolgt diese Unterscheidung präattentiv, in einem Bruchteil einer Sekunde. Noch bevor die drei Zeichen ins Bewusstsein dringen, nehmen wir diese instinktiv als unterschiedlich wahr, und zwar als stark unterschiedlich.

Angesichts dessen erscheint die Frage nach dem Grad der Zeichenähnlichkeit der hier behandelten Signets verwunderlich. Rot und Blau stehen sich im Farbkreis komplementär gegenüber. Viel größer könnte der Unterschied auf der Ebene der Farbe kaum sein. Selbst für Menschen mit Farbsehschwäche (Protanopie, Deuteranopie) ist der Unterschied deutlich zu erkennen.

Nicht nur die Farbgebung, auch die Form der drei Zeichen ist sehr verschieden. Was vor allem daran liegt, dass das Sparkassen-S und die beiden anderen Bildmarken auf jeweils eigenen Konstruktionsprinzipien aufbauen. Beim Sparkassen-S wird jene Typometrie sichtbar, auf denen Buchstaben des lateinischen Alphabets basieren. Auch für Laien ist diese, wie ich meine, gut zu erkennen. Die S-Form ist eigenwillig, doch sie wirkt vertraut, ist gelernt. Aufgrund der für einen lateinischen Buchstaben typischen durchgehenden Strichführung ist das Zeichen leicht und unmittelbar als Großbuchstabe „S“ zu erkennen. In dem mir vorliegenden gerichtlichen Verfügungsschreiben wird dieser Aspekt herausgestellt. Darin wird das Sparkassen-S als ein „stilisiertes, in besonderer Weise wiedergegebenes ‘S’ bezeichnet, „das aber eindeutig als ein solches ‘S’ erkennbar ist. Ergänzt wird es durch ein dekoratives Element in Gestalt des Punktes über dem „S”, das erkennbar außerhalb des Buchstabens steht“, wie es im Schriftdokument heißt. Die hier vereinfachend als „Punkt“ bezeichnete Kreisfläche ist neben der Farbgebung ein weiteres, deutlich erkennbares Differenzierungsmerkmal. Weder das Sauren-S noch das Scalable-Capital-S verfügen über eine solche Kreisfläche.

Die Formarchitektur des Sauren-S wie auch des Scalable-Capital-S ist überdies eine ganz andere. Beide Signets werden aus mehreren Segmenten geformt, das Sauren-S aus vier Segmenten, das Scalable-Capital-S aus dreien. Beide Zeichen wirken wie zusammengesetzt, gleich einem Tangram, bei dem Legeplättchen eine Figur/Form bilden. Die Segmentierung verändert Ausdruck und Wahrnehmung. Nicht der Buchstabe „S“ steht bei diesen beiden Signets im Vordergrund, anders als beim Sparkassen-S, sondern eine durch geometrische Einzelsegmente gebildete Formkomposition. Der kompositorische Aufbau und die segmentierte Struktur sind deutliche Unterscheidungsmerkmale zum Sparkassen-S. Erst bei näherer Betrachtung und unter Berücksichtigung von Kontext, wie dem Namen des Unternehmens, lässt sich in dem Zeichen der Großbuchstabe „S“ herauslesen.

Ob die Form der Sauren-Bildmarke oder der Scalable-Capital-Bildmarke von einer nennenswerten Anzahl an Personen innerhalb der Verkehrskreise als „S“ angesehen wird, lässt sich ohne Instrumente der Marktforschung nicht sagen. Selbst für den möglichen Fall, dass einige oder auch viele Menschen ein „S“ erkennen, lässt sich daraus gerade nicht schließen, dass diese das als „S“ gelesene Zeichen automatisch in Verbindung mit der Sparkassen-Marke bringen! Denn die Unterschiedlichkeit von Farb- und Formgebung ist so groß, dass eine solche Assoziation meiner Einschätzung nach wenig wahrscheinlich ist. Die vom DSGV im Verfügungsschreiben als Gründe angeführten unbelegten Behauptungen halte ich für wenig stichhaltig.

Fazit

Auf der visuell-sprachlichen Ebene sind das Sparkasse-S und auf der anderen Seite dazu das Sauren-Signet und das Scalable-Capital-Signet stark verschieden. Lediglich die quadratische Dimension haben die drei Zeichen gemein. Mehr Überschneidungen lassen sich hingegen benennen, um diese Einschätzung einmal in ein Verhältnis zu setzen, wenn man das visuelle Erscheinungsbild der Sparkassen beispielsweise mit dem der Bank of Nova Scotia, der führenden Großbank Kanadas, miteinander vergleicht.

Markenrechtkritische Synthese

Wenn bei der markenrechtlichen Beurteilung heutzutage immer noch von der Schwarzweiß-Version eines Zeichens ausgegangen wird, um eine Verletzung von Markenrecht zu bescheinigen, obwohl die betreffenden Zeichen im digitalen Zeitalter fast ausschließlich in farbiger Darstellung zur Anwendung kommen, dann birgt dies die Gefahr der Monopolisierung abstrakter Formen, einzelner Buchstaben, Zahlen oder anderer verbreiteter Zeichen.

Verbrauchern begegnen Logos am Markt nie im luftleeren, farblosen Raum, sondern in konkreten Nutzungskontexten (auf Verpackungen, digitalen Interfaces, Plakaten oder Fahrzeugen). Farbe ist das stärkste visuelle Signal überhaupt – sie bestimmt den ersten Wiedererkennungseffekt oft noch vor der Formwahrnehmung. Eine markenrechtliche Beurteilung eines Signets ohne Berücksichtigung der Farbe ist praxisfern, denn sie missachtet den realen Gesamteindruck und sie dekontextualisiert den Gebrauch eines Markenzeichens. Auf dem Papier wird eine Verwechslungsgefahr respektive Verletzung als Marke konstruiert, die in der Marktwirklichkeit so nicht entsteht.

Die Durchsetzbarkeit von Markenrechten am eigenen Logo ist essenziell, weil nur so die Unterscheidungskraft, der Ruf und der wirtschaftliche Wert der Marke erhalten bleiben. Ohne persistente Verteidigung drohen Verwechslung, Verwässerung und langfristig der Verlust des Schutzes – insbesondere bei bekannten Zeichen wie dem Sparkassen-S.

Bei der Durchsetzung von Markenrechten ist allerdings die konsequente Orientierung am durchschnittlich informierten, aufmerksamen und verständigen Verbraucher (bzw. den relevanten Verkehrskreisen) unverzichtbar. Dieses normative Leitbild – geprägt auch durch die Rechtsprechung des Europäischen Gerichtshofs (EuGH) und des Bundesgerichtshofs (BGH) – bildet den objektiven Maßstab für die Prüfung von Verwechslungsgefahr, Bekanntheit und Rufausbeutung. Es verhindert, dass Entscheidungen von subjektiven Einschätzungen der Markeninhaber, Anwälte oder Richter gesteuert werden. Stattdessen zählt allein, wie das angesprochene Publikum die Zeichen in der Realität wahrnimmt. Nur so bleibt die Rechtsdurchsetzung vorhersehbar, nachvollziehbar, ausgewogen und legitim.

Im Konflikt um das Sparkassen-S und die beiden anderen S-Signets entscheidet genau dieser Maßstab darüber, ob die Zeichen tatsächlich als verwechslungsfähig gelten – und nicht die bloße Existenz einer Registereintragung oder die wirtschaftliche Bedeutung der älteren Marke allein. Ohne diese konsequente Berücksichtigung droht entweder eine Überdehnung des Schutzes oder eine Aushöhlung berechtigter Markenrechte.


Abschlussnote: Die Abbildung des Sparkassen-S und des streitigen Sauren-Signets im redaktionellen Beitrag ist rechtlich unbedenklich, da keine markenmäßige Benutzung besteht: Das dt verwendet die Zeichen nicht als Herkunftshinweis für eigene Angebote, sondern zeigt sie zum Zweck der Information (§ 14, § 23 MarkenG; EuGH, Rs. C-206/01). Urheberrechtlich ist die Wiedergabe als Zitat im Rahmen der Berichterstattung privilegiert (§ 51 UrhG), sofern die Quelle angegeben wird und die Zeichen unverändert bleiben. Die Voraussetzungen hierfür sind gegeben: sachliche, ausgewogene Darstellung; ein klar dokumentierter redaktioneller Kontext. Verfassungsrechtlich deckt die Pressefreiheit (Art. 5 GG) die Berichterstattung über das laufende Verfahren; die einstweilige Verfügung bindet allein die Verfahrensparteien.

Fußnoten:

1) Das Hanseatische Oberlandesgericht Hamburg entschied 2022, dass Telefónica ein aus Punkten zusammengesetztes, stilisiertes „T“-Logo nicht verwenden darf, da die Deutsche Telekom darin eine Verwechslungsgefahr sowie eine Verwässerung ihrer bekannten Marke sah.

2) „Das positive Zeichen, irgendeiner Form, auf weißem Grund gesetzt, besitzt einen unabhängigen Ausdruck im Gegensatz zu dem Zeichen, das negativ auf einem Grund erscheint. Denn der Grund selbst besitzt eine formale Limitierung. […] Zwei genau identische Zeichen, einmal in Schwarz auf weißem Grund, einmal in Weiß auf schwarzem Grund, ergeben nicht dieselbe Erscheinung. Das weiße Zeichen wird immer größer und dicker erscheinen als das positive Zeichen. Der Grund ist die größere Ausstrahlungskraft des weißen Lichtes gegenüber der schwarzen Abdeckung.“ (Der Mensch und seine Zeichen: Schriften, Symbole, Signets, Signale; 2004, Adrian Frutiger)

3) Wertheimer Gestaltgesetze (1923), Ebbinghaus-Illusion, Simultankontrast (Chevreul, 1839)

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Paprika zu Weihnachten: Auch so kann ein Adventskalender aussehen! › PAGE online


Von Hand gezeichnet und mit echten Emotionen statt mit KI versehen: Das Studio Thom Pfister hat den Adventskalender der Marke Zweifel Chips auf ein neues und ganz zeitgemäßes Niveau gehoben – einem Stickerbogen inklusive.

Paprika zu Weihnachten: Auch so kann ein Adventskalender aussehen! › PAGE online

Die Chips von Zweifel sind die bekanntesten der Schweiz. Seit 1958 beglückt das Unternehmen seine Landsleute mit Paprika-Produkten und das heute mit Kartoffeln von 400 Schweizer Vertragsbauern.

Das Sortiment ist im Laufe der Jahrzehnte beständig gewachsen und 2019 kam der Zweifel Chips Adventskalender hinzu.

Und das jetzt mit einem Design der Kreativen des Studio Thom Pfister, die ihn neu und zeitgemäß denken.

Weit entfernt von Winterlandschaften, von weißen Bergkuppen und Weihnachtsmännern, zeigt sich das Packagingdesign mit Stickern im Pop-Art-Design.

»Paprika Power« heißt es darauf, »HoHoHo« oder »Yumm« und dazu tanzen Chilis oder werden Münder aufgerissen, tummeln sich Kartoffelscheiben und strecken Smileys ihre Zunge raus.

Expressiv & handgemacht

Illustriert sind die Sticker von Hand und wurden in Adobe Illustrator weiterentwickelt. Ganz bewusst wurde auf KI verzichtet. Sowohl seitens der Kreativen als auch vom Kunden aus:

Trotz der knalligen Illustrationen, der lauten Farben und der expressiven Typografie sollte das Design eine menschliche Handschrift tragen, gerade auch während der 24 Adventstage.

19 Paprikaprodukte – von den klassischen Zweifel Chips zu den rustikalen KEZZ, Crackern und Shells, finden sich in dem Adventskalender. Dazu kommen fünf Fan-Produkte zu denen Zweifel-Baumschmuck, eine Zweifel-Mütze und Zweifel-Socken gehören.

Jedem »I love Paprika«-Adventskalender liegt zudem ein Stickerbogen bei, der die Collage auf dem Packaging aufnimmt und zum Selberkleben animiert.

Bei einem Preis von 79,90 CHF muss der Adventskalender auch etwas bieten.

 

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Wer entscheidet, was Sinn ergibt: »Veränderung als Chance begreifen« › PAGE online


Im Rahmen der German Design Graduates gab es zur Ausstellungseröffnung »Make it make Sense« einen Panel-Talk mit PAGE-Chefredakteur Stefan Lara Torres. Wir stellen die Erkenntnisse jetzt in einer Interview-Reihe mit den Talk-Gästen vor. Drei Perspektiven, viele Themen! Hier lest ihr das Interview mit Produktdesigner Tobias Trübenbacher.

Wer entscheidet, was Sinn ergibt: »Veränderung als Chance begreifen« › PAGE online
Panel-Talk bei den German Design Graduates. V.l.n.r.: Stefan Lara Torres (PAGE-Chefredakteur), Tobias Trübenbacher (Produktdesigner), Marie Kurstjens (German Design Award Newcomerin of the Year 2026) // Bild: Lena Everding

Wie viel Verantwortung trägt Gestaltung? Wer bestimmt, was sinnvoll ist? Und welche Fähigkeiten brauchen Designer:innen morgen? Die von der German Design Council Foundation unterstützte Initiative German Design Graduates (GDG) fördert den Nachwuchs deutscher Designhochschulen. Das Ziel ist es, junge Talente mit Ansprechpartner:innen aus Industrie, Gesellschaft und Wissenschaft zusammenzubringen. Im Rahmen der Initiative fanden dieses Jahr verschiedene Veranstaltungen statt – unter anderem die große Jahresausstellung unter dem Titel »Make It Make Sense«. Die Ausstellung ist noch bis zum 29. November 2026 in »Die Neue Sammlung – The Design Museum« in München zu sehen.

Zur Eröffnung am 15. Oktober 2026 diskutierte PAGE-Chefredakteur Stefan Lara Torres in einem Panel mit Marie Kurstjens (German Design Award Newcomerin of the Year 2026) und Tobias Trübenbacher (Produktdesigner) über wichtige Fragen der Kreativbranche aus drei unterschiedlichen Perspektiven. Illustrator Eric Schwarz ergänzte das Gespräch im Nachgang.

Die Erkenntnisse stellen wir in einer Interview-Reihe jetzt vor: Lest hier im Beitrag das Interview mit Produktdesigner Tobias Trübenbacher.

Zwei Personen sprechen auf der Bühne draußen sitzend, die Sonne scheint, im Vordergrund Publikum
Tobias Trübenbacher spricht beim Panel. Bild: Lena Everding

PAGE: Muss man die Welt erst verstehen, bevor man sie gestalten kann – oder beginnt Veränderung damit, dass uns etwas berührt?

Tobias: Ich glaube, unsere Welt ist so komplex und verändert sich so rasant, dass wir sie wahrscheinlich nie ganz verstehen werden. Aber vielleicht liegt gerade darin der Anreiz, sie gestalten zu wollen: immer weiterzufragen, Zusammenhänge zu entdecken und Dinge zu hinterfragen. Bei mir entstehen die besten Ideen und Projekte oft dann, wenn ich mich mit einem komplexen Problem beschäftige, das ich selbst noch nicht ganz durchdrungen habe und für das es noch keine überzeugende Antwort gibt. Dazu gehört für mich ganz besonders der Austausch mit Expert:innen, Forschenden und den Menschen, die von diesen Fragen unmittelbar betroffen sind.

Design macht Dinge sichtbar – aber entscheidet damit auch, was unsichtbar bleibt. Wie bewusst geht ihr mit dieser Macht um?

Ich denke, genau darin liegt eine der wichtigsten Aufgaben von Gestaltung – und auch einer meiner größten Antriebe. Die großen Herausforderungen unserer Zeit lassen sich nicht allein durch neue technische Lösungen bewältigen. Viele Technologien, die wir für eine nachhaltige Transformation brauchen, existieren bereits. Die größere Herausforderung ist oft, Menschen dafür zu begeistern, neue Wege mitzugehen und Veränderung als Chance zu begreifen, statt Angst davor zu haben.

Dafür brauchen wir positive Zukunftsbilder. Wir müssen zeigen, wie eine andere Zukunft aussehen und sich anfühlen könnte. Gerade wissenschaftliche Erkenntnisse, Klimaforschung oder neue Technologien bleiben oft abstrakt, solange sie nur in Zahlen, Diagrammen oder Warnungen vermittelt werden. Gestaltung kann helfen, diese Themen sichtbar, verständlich und erfahrbar zu machen – und dadurch Menschen ganz anders zu erreichen.

Ein Beispiel dafür ist unsere Main-Light-Leuchte. Statt die regenerative Solartechnologie zu verstecken, machen wir sie bewusst sichtbar: groß, bunt und selbstbewusst. Die Menschen sollen unmittelbar verstehen können, wie die Leuchte funktioniert. Gleichzeitig wollen wir zeigen, welches gestalterische Potenzial in der Energiewende und in der Gestaltung unseres öffentlichen Raums steckt.

Gelboranges Plakat mit dem Schriftzug »Make It Make Sense«, jedes Wort in schwarze Ellipsen und Klammern eingefasst. Unten links steht »German Design Graduates«, daneben »Die Neue Sammlung – The Design Museum, 16. Oktober – 29. November 2026« mit vier kleinen Piktogrammen. Rechts die Logos von German Design Graduates, Die Neue Sammlung und PAGE.
Newcomer:innen Ausstellung von 15.10. – 29.11. in München

Wir sprechen viel über die gesellschaftliche Verantwortung von Design. Aber was passiert mit dieser Haltung, wenn Auftraggeber, Budgets und wirtschaftliche Interessen andere Entscheidungen verlangen?

Ich habe die Erfahrung gemacht, dass das immer ein schwieriger Abwägungsprozess ist. Am herausforderndsten finde ich dabei oft gar nicht nur die wirtschaftlichen Faktoren, sondern vor allem, etablierte Akteure davon zu überzeugen, gewohnte Wege zu verlassen und sich auf etwas völlig Neues einzulassen. Das bedeutet, bestehende Lösungen und Typologien zu hinterfragen und gemeinsam das Risiko einzugehen, dass sich eine neue Idee am Ende vielleicht nicht durchsetzt.

Die gute Nachricht ist: Genau hier liegen auch die Stärken von Design. Mit Modellen, Renderings und umgesetzten Projekten können wir Ideen greifbar machen und Menschen für etwas begeistern, das vorher vielleicht noch sehr abstrakt war. Ich habe oft erlebt, dass sich interdisziplinäre Teams, Geldgeber oder Entscheidungsträger dadurch überhaupt erst auf eine neue Herausforderung einlassen. Wären dieselben Ideen nur in Texten oder wissenschaftlichen Studien formuliert, wäre diese Überzeugungsarbeit vermutlich deutlich schwieriger.

Natürlich ist die Realität dann oft ein ziemlicher Reality-Check. Manchmal verzweifelt man fast an absurden Normen, langwierigen Genehmigungsprozessen oder den festgefahrenen Perspektiven großer Unternehmen, auf deren Mitwirkung man angewiesen ist. Aber das hat meine Haltung bisher nicht verändert – im Gegenteil: Ich bin immer wieder positiv überrascht, wenn Kommunen, Städte oder große Auftraggeber selbst auf uns zukommen und neue Wege gehen wollen. Dann merke ich, wie viele Menschen sich für Veränderung engagieren und wie viel Energie entsteht, wenn man gemeinsam an einer Idee arbeitet. Das bestärkt mich darin, dass es sich lohnt, an den eigenen Überzeugungen festzuhalten und trotzdem immer wieder nach Lösungen zu suchen, die auch unter realen Bedingungen funktionieren.

Kann Design die Welt retten? Oder beginnt Veränderung im Kleinen – und braucht gleichzeitig einen grundlegenden Wandel unserer gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Systeme?

Design allein kann die Welt auf keinen Fall retten. Aber es kann dazu beitragen, dass wir Dinge bewusster, besser und zeitgemäßer gestalten.

Die Welt als Planet wird nicht untergehen. Aber ob sie sich in Zukunft noch so um die Sonne dreht, dass sie uns Menschen und unzähligen anderen Lebewesen eine Lebensgrundlage bietet, ist eine ganz andere Frage. Die wissenschaftlichen Erkenntnisse zu den Klimakipppunkten zeigen, wie ernst die Lage ist und wie viel auf dem Spiel steht. Wenn wir diese Kipppunkte überschreiten, befinden wir uns in einer Welt, die sich so grundlegend verändert, dass die Lebensbedingungen, auf die wir heute angewiesen sind, nicht mehr dieselben sein werden.

Deshalb finde ich den Anspruch »Design rettet die Welt« manchmal etwas naiv, abgenutzt und selbstüberschätzend. Gleichzeitig glaube ich, dass Design – wie viele andere Berufe und Disziplinen auch – einen wichtigen Beitrag zu dem Wandel leisten kann, den wir dringend brauchen.

Eine besondere Stärke von Gestaltung sehe ich darin – wie einlänglich beschrieben –, positive Zukunftsbilder zu entwickeln und erlebbar zu machen. Sie kann zeigen, dass Veränderung nicht nur Verzicht und Verlust bedeutet, sondern auch neue Möglichkeiten eröffnet. Sie kann Menschen inspirieren, zum Umdenken anregen und dafür begeistern, gemeinsam neue Wege zu gehen.

Am Ende wird es aber alle brauchen. Wir müssen nicht nur einzelne Produkte oder Prozesse verbessern, sondern auch die gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Strukturen hinterfragen, in denen wir gestalten und wirtschaften. Die Verantwortung dafür lässt sich nicht an einzelne Disziplinen delegieren. Jede und jeder muss sich fragen, welchen Beitrag wir leisten können – und wie wir gemeinsam einen echten Wandel voranbringen.

Im Studium entstehen Visionen für eine bessere Welt. Doch wie viel Raum gibt ihnen der Markt tatsächlich? Und wie können aus guten Ideen konkrete Veränderungen werden?

Ich glaube, damit mehr der tollen Ideen und Impulse aus dem Studium tatsächlich in die Realität gelangen, brauchen wir vor allem Formate, in denen Absolvent:innen und Industrie sich begegnen und auf Augenhöhe austauschen können.

German Design Graduates ist dafür vielleicht ein wichtiger Ansatz. Gleichzeitig muss es uns als Designszene gelingen, unsere eigene Bubble öfter zu verlassen und selbstbewusst auf Unternehmen und andere Akteure zuzugehen. Umgekehrt braucht es aber auch aufseiten der Industrie – gerade bei großen Herstellern – mehr Offenheit für junge Perspektiven und den Mut, etablierte Wege zu hinterfragen.

Das ist natürlich leichter gesagt als getan. Ich glaube, gerade deshalb kommt den Hochschulen eine wichtige Rolle zu: Sie können eine Brücke zwischen diesen beiden Welten schlagen und dazu beitragen, dass aus visionären Ideen später konkrete Projekte werden. Manchmal vermisse ich an deutschen Designhochschulen allerdings ein stärkeres Bewusstsein für diese Verantwortung und dafür, was Gestaltung außerhalb der Hochschule tatsächlich bewirken kann.

Gleichzeitig sehe ich auch die Studierenden selbst in der Pflicht. Natürlich darf es im Studium darum gehen, sich auszuprobieren, eigene Interessen zu entdecken und Spaß am Gestalten zu haben. Aber ich finde, Uniprojekte sollten im besten Fall über die eigene Person hinausweisen. Sie sollten auch fragen, welchen Beitrag sie leisten können, welche Probleme sie adressieren und was es braucht, damit aus einer guten Idee tatsächlich etwas wird. Denn die entscheidende Frage ist für mich nicht nur, welche Visionen wir entwickeln, sondern auch, wie wir Verantwortung dafür übernehmen, sie in die Welt zu bringen.

Wie sollen junge Designer:innen gesellschaftliche Verantwortung übernehmen, wenn sie zunächst ihre Miete bezahlen müssen? Und warum wird heute neben gestalterischer Exzellenz auch immer mehr unternehmerisches Denken verlangt?

Das ist ein grundlegendes Problem unserer Disziplin. Wir verstehen uns zu oft als Künstler:innen, als Schöpfer:innen, als etwas ganz Besonderes, für das es sich scheinbar lohnt, sich auch finanziell aufzuopfern – zu selten als »Arbeitende«. Ich finde, wir müssen weg von dieser romantisierten Vorstellung, dass Leidenschaft allein eine ausreichende Bezahlung ersetzt.

Gerade in der Kreativwirtschaft fehlt es aus meiner Sicht an einer stärkeren Organisation der Interessen von Gestalter:innen, an einer besseren Vertretung ihrer Arbeitsrechte und an transparenten, fairen, verbindlichen Honorarstrukturen. Hier gibt es noch viel aufzuholen. Unternehmerisches Denken ist deshalb wichtig, aber auch das gemeinsame Etablieren von langfristig tragfähigen Strukturen für faire Arbeitsbedingungen.

Niemand kann alles allein leisten. Man kann nicht gleichzeitig hervorragend Ideen entwickeln, entwerfen, Akquise betreiben, sich selbst vermarkten, wirtschaftlich strategisch denken und nebenbei noch ein kleines Unternehmen führen – zumindest nicht alles gleich gut. Ich glaube deshalb, dass der Schlüssel auch darin liegt, sich mit anderen zusammenzutun, unterschiedliche Kompetenzen einzubringen und offen für andere Perspektiven und Disziplinen zu sein.

Die Vorstellung, dass man nach dem Studium ausschließlich gestaltet und an tollen Entwürfen arbeitet, sollte man allerdings früh hinterfragen. Gerade am Anfang einer Selbstständigkeit ist es oft ziemlich hart. Neben der eigentlichen Gestaltung gehört viel Arbeit dazu, die man im Studium kaum kennenlernt. Es gibt inzwischen zwar verschiedene Förderprogramme, die den Einstieg erleichtern können, aber auch darüber müsste an den Hochschulen viel selbstverständlicher gesprochen werden.

Für mich bedeutet unternehmerisches Denken deshalb nicht, Gestaltung dem Markt unterzuordnen. Es bedeutet vielmehr, die Voraussetzungen dafür zu schaffen, dass wir unsere gestalterischen und gesellschaftlichen Ansprüche langfristig verfolgen können, ohne uns dabei selbst auszubeuten.

Warum verlangen wir von jungen Designer:innen permanente Anpassungsfähigkeit, während sich Unternehmen und etablierte Strukturen oft nur langsam verändern? Wer muss hier eigentlich von wem lernen?

Beide Seiten müssen stärker aufeinander zugehen und vor allem versuchen, die Perspektive der jeweils anderen besser zu verstehen. Ich kann gut nachvollziehen, dass es für große Unternehmen nicht einfach ist, etablierte Strukturen und Geschäftsmodelle grundlegend zu verändern. Dahinter stehen eine enorme Verantwortung, viele Arbeitsplätze und wirtschaftliche Verpflichtungen. Man kann nicht von heute auf morgen alles auf den Kopf stellen.

Gleichzeitig wünsche ich mir, dass Unternehmen die Dringlichkeit der Transformation stärker anerkennen und mutiger werden, wenn es darum geht, neue Wege auszuprobieren. Gerade junge Designer:innen bringen oft andere Perspektiven mit, hinterfragen Selbstverständlichkeiten und denken Dinge grundlegend anders. Ich fände es wichtig, diese Perspektiven nicht nur punktuell einzuholen, sondern sie stärker in die alltäglichen Entscheidungs- und Entwicklungsprozesse einzubinden.

Am Ende können beide Seiten voneinander lernen: Junge Designer:innen müssen verstehen, unter welchen Bedingungen Unternehmen arbeiten und warum Veränderungen manchmal Zeit brauchen. Unternehmen wiederum müssen lernen, bestehende Strukturen nicht mit unveränderbaren Tatsachen zu verwechseln. Denn nur weil etwas über Jahrzehnte funktioniert hat, heißt das nicht, dass es auch für die Zukunft die richtige Lösung ist.

Wenn KI immer mehr gestalterische Aufgaben übernehmen kann: Welche Fähigkeiten werden für Designer:innen wirklich entscheidend? Welche Rolle spielen Erfahrung, Mut, Resilienz und die Bereitschaft, immer wieder neu zu lernen?

KI baut immer auf vorhandenen Praktiken und dem Bestehenden auf. Gerade wenn es darum geht gänzlich neues zu entwickeln, glaube ich kann die Kompetenz von Designer:innen so schnell nicht ersetzt werden. Gleichwohl wird sich die Arbeitspraxis durch KI sicherlich radikal verändern.

Ich glaube, dass die Fähigkeit, die richtigen Fragen zu stellen, immer entscheidender wird. KI kann mir in kürzester Zeit hundert Entwürfe liefern. Aber sie nimmt mir nicht die Entscheidung ab, welchen davon wir überhaupt brauchen – und ob das Problem, an dem wir arbeiten, tatsächlich das richtige ist. KI macht es sehr einfach, immer noch eine weitere Variante zu entwickeln. Aber Gestaltung bedeutet für mich auch, irgendwann eine Entscheidung zu treffen und Verantwortung dafür zu übernehmen. Dafür braucht es Mut – und die Bereitschaft, nicht immer den offensichtlichsten oder bequemsten Weg zu wählen.

Speziell in Bezug auf Produktdesign: Mich interessiert besonders, was passiert, wenn wir Gestaltung nicht nur als die Produktion von Bildern und Konzepten verstehen, sondern als die Veränderung unserer physischen Umwelt. Ein Entwurf muss sich mit realen Materialien, Menschen, Ressourcen und technischen Bedingungen auseinandersetzen. Diese Verbindung zur Realität finde ich gerade in einer zunehmend digitalisierten Welt wichtig.

»You shape the world. Do it with love!« – wenn ihr der nächsten Generation von Designer:innen einen Gedanken mitgeben könntet, welcher wäre das?

Traut euch, auch die großen Herausforderungen unserer Zeit anzugehen und den Wandel aktiv mitzugestalten! Ihr müsst nicht alle Antworten kennen oder jede technische Herausforderung selbst lösen. Oft beginnt Veränderung mit einer Idee, die andere inspiriert, Mut macht und Menschen zusammenbringt, um gemeinsam an einer Lösung zu arbeiten. Ich glaube, dass gerade in der Gestaltung ein großes Potenzial liegt, Menschen für Veränderung zu begeistern und neue Perspektiven aufzuzeigen. In einer Zeit, in der vielerorts eher Rückwärtsgewandtheit und Angst vor Veränderung spürbar werden, brauchen wir positive Visionen und umso mehr den Mut, uns eine andere Zukunft vorzustellen – und die Überzeugung, dass wir sie gemeinsam gestalten können.

Zum Interview mit Marie Kurstjens

Zum Interview mit Eric Schwarz

Stefan Lara Torres gibt das Mikrofon beim Panel ins Publikum. Bild: Lena Everding

 



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UX/UI & Webdesign

Wer entscheidet, was Sinn ergibt: »Ich verstehe uns Designer:innen als Chamäleons« › PAGE online


Im Rahmen der German Design Graduates gab es zur Ausstellungseröffnung »Make it make Sense« einen Panel-Talk mit PAGE-Chefredakteur Stefan Lara Torres. Wir stellen die Erkenntnisse jetzt in einer Interview-Reihe mit den Talk-Gästen vor. Drei Perspektiven, viele Themen! Hier lest ihr das Interview mit Marie Kurstjens (German Design Award Newcomerin of the Year 2026).

Wer entscheidet, was Sinn ergibt: »Ich verstehe uns Designer:innen als Chamäleons« › PAGE online
Marie Kurstjens spricht beim Panel bei den German Design Graduates, Ausstellungseröffnung am 15.10.26. Bild: Lena Everding

Wie viel Verantwortung trägt Gestaltung? Wer bestimmt, was sinnvoll ist? Und welche Fähigkeiten brauchen Designer:innen morgen? Die von der German Design Council Foundation unterstützte Initiative German Design Graduates (GDG) fördert den Nachwuchs deutscher Designhochschulen. Das Ziel ist es, junge Talente mit Ansprechpartner:innen aus Industrie, Gesellschaft und Wissenschaft zusammenzubringen. Im Rahmen der Initiative fanden dieses Jahr verschiedene Veranstaltungen statt – unter anderem die große Jahresausstellung unter dem Titel »Make It Make Sense«. Die Ausstellung ist noch bis zum 29. November 2026 in »Die Neue Sammlung – The Design Museum« in München zu sehen.

Zur Eröffnung am 15. Oktober 2026 diskutierte PAGE-Chefredakteur Stefan Lara Torres in einem Panel mit Marie Kurstjens (German Design Award Newcomerin of the Year 2026) und Tobias Trübenbacher (Produktdesigner) über wichtige Fragen der Kreativbranche aus drei unterschiedlichen Perspektiven. Illustrator Eric Schwarz ergänzte das Gespräch im Nachgang.

Die Erkenntnisse stellen wir jetzt in einer Interview-Reihe vor: Lest hier im Beitrag das Interview mit Marie Kurstjens.

PAGE: Muss man die Welt erst verstehen, bevor man sie gestalten kann – oder beginnt Veränderung damit, dass uns etwas berührt?

Marie: Ich denke nicht, dass man die Welt oder alle Komplexitäten und Zusammenhänge komplett verstehen muss, um sie gestalten zu können. Situationen oder Umstände, die einen berühren, motivieren oder inspirieren, können oft ein sehr guter Startpunkt sein. Insbesondere wenn man dann feststellt, wie komplex es ist, ist es unglaublich wertvoll, wenn man aus Inspiration oder auch anderen Emotionen begonnen hat, die einen dann motivieren, weiterzugestalten und dranzubleiben. Auf der anderen Seite ist ein Versuch des Verstehens der Problematik und der komplexen Zusammenhänge sehr wichtig, um eine sinnvolle Lösung zu gestalten. Ich verstehe uns Designer:innen als Chamäleons, weil wir durch neue Projekte immer wieder neue Rollen einnehmen, um komplexe Umstände zu verstehen und übersetzen zu können. Und um uns immer wieder verändern zu können, braucht es Projekte, die von Emotionen getragen sind und die einen berühren. Und schließlich verstehen Menschen Emotionen, und wenn wir komplexe Zusammenhänge so herunterbrechen können, dass sie durch Emotionen verständlich werden, kann man aus meiner Sicht viel verändern. Für mich sind also Verstehen und Emotionen keine Gegensätze, sondern sie tragen idealerweise ein Projekt gemeinsam.

Design macht Dinge sichtbar – aber entscheidet damit auch, was unsichtbar bleibt. Wie bewusst geht ihr mit dieser Macht um?

Ich sehe es eher als Chance und weniger als Macht. Besonders im Social Design werden Geschichten und Menschen sichtbar, die oft im Diskurs unsichtbar bleiben, und somit auch deren Bedürfnisse. Einer der wichtigsten Sätze aus dem Inclusive Design ist für mich: »Behindert ist man nicht, behindert wird man.« Menschen mit Einschränkungen werden durch die Welt, wie sie von Menschen ohne Einschränkung gebaut wurde, in ihrem Alltag behindert. Durch einen nicht abgesenkten Bordstein, einen fehlenden Lift oder ein nicht funktionierendes Besteck. Social Design kann hier eine Brücke schlagen und die Welt zugänglicher machen. Deswegen sehe ich vieles im Social Design als Chance.

Wenn wir über Macht in diesem Zusammenhang reden, ist es, glaube ich, sehr wichtig, dass man als Designer:in so viel wie möglich davon an die Zielgruppe und die Betroffenen zurückgibt. Wir als Designer:innen können das Sprachrohr oder die Übersetzenden sein. Aber wie und was sich verändert, welche Aspekte wichtig sind, das sollte bei der betroffenen Gruppe liegen. Daher bin ich auch eine große Verfechterin von einer partizipativen Gestaltung im Social Design. Dies bedeutet, dass man gemeinsam mit der Zielgruppe gestaltet anstatt über sie hinweg oder um sie herum. Sie sind Expert:innen ihrer Lebensrealität und daher sollten sie auch ein Mitspracherecht und eine Entscheidungsmacht haben, wie sie sich verändert.

Welche Themen oder Geschichten am Ende sichtbar werden, ist oft mit Inspiration, erzählten oder eigenen Erfahrungen und Emotionen verbunden. Aber das heißt nicht, dass das nächste Projekt nicht aus einer anderen Perspektive erzählt oder aus anderen Situationen heraus gestaltet wird. Social Design ist noch sehr in der Entwicklung und man lernt auch immer wieder neue Methoden – und wie man möglichst vielen Gruppen und Menschen gerecht wird. Ich persönlich freue mich sehr darauf, zu sehen, wie sich Social Design weiterentwickelt, wie die Macht immer besser verteilt wird und was man entlang des Weges noch alles lernen wird.

Gelboranges Plakat mit dem Schriftzug »Make It Make Sense«, jedes Wort in schwarze Ellipsen und Klammern eingefasst. Unten links steht »German Design Graduates«, daneben »Die Neue Sammlung – The Design Museum, 16. Oktober – 29. November 2026« mit vier kleinen Piktogrammen. Rechts die Logos von German Design Graduates, Die Neue Sammlung und PAGE.
Newcomer:innen Ausstellung von 15.10. – 29.11. in München

Marie, du willst Menschen stärker an Gestaltungsprozessen beteiligen. Tobias, du möchtest den Blick über den Menschen hinaus erweitern. Wer sollte eigentlich mitentscheiden, was gutes Design ist?

Ich bin ein großer Fan von Recherche, um Prozesse und Situationen nachvollziehen und wirklich durchdringen zu können. Hierfür gehört für mich auch besonders, mit möglichst allen Stakeholder:innen zu sprechen und sich auszutauschen. Wir als Designer:innen sind Expert:innen für unser Gebiet, aber andere Stakeholder:innen sind es genau so für ihren Bereich. Und wir müssen nicht auf jedem Gebiet alles wissen. Viele Themen heutzutage sind zu komplex, als dass wir sie allein in unserem Studio lösen könnten. Daher ist diese Interdisziplinarität sehr entscheidend. Sie ermöglicht eine Zusammenarbeit und lässt alle Stakeholder:innen Gehör finden. Wir als Designer:innen nehmen so als Erstes eine Rolle des Zuhörens ein und entwickeln ein Verständnis für die Problematik. Diese Pause, bevor es ins Machen geht, ist auch sehr wichtig, denn nur so gestaltet man aktiv mit den Menschen statt über sie hinweg. Und erst dann treten wir in die Rolle des Gestaltens und hier haben wir zwei Aufgaben: Wir dürfen den roten Faden nicht verlieren, denn wir sind immer noch die Designer:innen. Gestalten ist unsere Expertise und die letzten Entscheidungen treffen wir, aber über den gesamten Prozess nehmen wir die Stakeholder:innen, also die Zielgruppe, mit. Denn nur so kann man wissen, dass es wirklich Bestand hat in der Realität und noch viel wichtiger: auch benutzt wird. Denn wenn man nur von sich selbst ausgeht, in einer ganz anderen Lebensrealität, kann man nicht erwarten, dass entwickelte Produkte auch von der Zielgruppe benutzt werden. Daher sehe ich die partizipative Gestaltung als ein wichtiges Transformationstool für besseres Design.

Wir sprechen viel über die gesellschaftliche Verantwortung von Design. Aber was passiert mit dieser Haltung, wenn Auftraggeber, Budgets und wirtschaftliche Interessen andere Entscheidungen verlangen?

Ich würde sagen, dass ich einen Einblick sowohl in die Industrieseite bekommen habe wie auch durch Social Design für die gesellschaftliche Verantwortung. Durch mein Bachelorstudium, das Praktikum bei Konstantin Grcic und die Produktentwicklung von LEVI für MAGAZIN habe ich erlebt, wie stark Gestaltung von Budgets, Produktion, Marktlogiken und Auftraggeberinteressen geprägt ist. Diese Erfahrung ist für meine Arbeit im Social Design sehr wertvoll, weil ich dadurch soziale Ideen nicht nur konzeptionell denke, sondern immer auch frage: Ist das produzierbar? Finanzierbar? Verständlich? Langfristig nutzbar?

Für mich zeigt sich gestalterische Haltung nicht darin, wirtschaftliche Realität auszublenden, sondern innerhalb dieser Realität Verantwortung zu übernehmen und bewusst zu entscheiden, welche Kompromisse tragbar sind und welche nicht. Hier übernehmen wir als Designer:innen oft auch die Rolle der Vermittlung. Zwischen Nutzer:innen, Auftraggebern, Produktion und gesellschaftlichen Anforderungen. Oft geht es darum, aus scheinbaren Gegensätzen eine tragfähige Lösung zu entwickeln. Hierfür bekommen wir auch durch unsere Ausbildung viele Tools mitgegeben, die wir anwenden können, um verschiedene Wege, Konsequenzen und Möglichkeiten aufzuzeigen. Als ich mit meiner Partnerin Iva Coskun an Levi gearbeitet habe, war uns von Anfang an wichtig, dass dieser Tisch verschiedene Aufgaben erfüllen kann und für viele verschiedene Tischplatten passt. Dies war auch eine Entscheidung für Nachhaltigkeit. Denn so kann Levi mitwachsen mit verändernden Lebensbedingungen und man muss aufgrund von gutem Design kein neues Tischgestell kaufen.

An diesem Ziel haben wir festgehalten und sind sehr zufrieden, dass wir dies auch genau so mit MAGAZIN umsetzen konnten. Auf der anderen Seite sind im Social Design Budgets weiterhin – und fälschlicherweise – stark eingeschränkt, aber das bedeutet auch, dass die Entscheidungen oft bei gesellschaftlicher Verantwortung noch mehr an Geld geknüpft sind und man hierbei viele Restriktionen hat, dementsprechend besonders kreativ werden muss. Die Restriktionen sind oft eine Herausforderung, aber es bereitet auch Freude, wenn man unter diesen Einschränkungen zu spannenden, tragfähigen Lösungen kommt. Denn auch hier zählt, dass nicht jeder Kompromiss automatisch ein Verlust von Haltung ist. Manchmal kann eine einfachere, günstigere Lösung mehr Wirkung entfalten, wenn sie dadurch tatsächlich umgesetzt wird.

Kann Design die Welt retten? Oder beginnt Veränderung im Kleinen – und braucht gleichzeitig einen grundlegenden Wandel unserer gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Systeme?

Veränderung beginnt häufig oder beinahe sogar ausschließlich im Kleinen und dies ist auch wichtig. Wenn man von Anfang an wissen würde, wie viel es braucht, um etwas zu verändern, dann würde man niemals beginnen. Deswegen ist die Veränderung im Kleinen bereits einer der wichtigsten Schritte und eine sehr gute Basis für größere Schritte und Reichweite. Auch kleine Projekte können die nächste Person inspirieren und motivieren, es einen Schritt weiterzudenken und auch weiterzutragen. So wird der Entwurf am Ende ein kleiner Teil von einer großen Veränderung. Gleichzeitig ist dies natürlich auch nicht immer einfach in dem wirtschaftlichen wie auch gesellschaftlichen System, in dem wir leben. Social Design ist definitiv im Moment ein »uphill battle«. Die ersten Dinge, bei denen gespart wird, sind zum Beispiel soziale Institutionen und NGOs. Dabei sind gerade diese Orte so entscheidend im jetzigen Zustand der Welt, aber hier werden die Mittel immer weniger oder drastisch gekürzt. Und das macht es natürlich auch schwieriger, als Designer:in im Social Design zu agieren, da viele unterstützende Institutionen verloren gehen. Es wird meistens erst immer an den Stellen gespart, an denen das Geld insbesondere für andere Menschen gebraucht wird, und ich denke, dass hier ein Shift entscheidend und wichtig ist. Deswegen sind es sehr viele Stakeholder:innen, die über verschiedenste Disziplinen hinaus für einen Wandel sowohl auf gesellschaftlicher als auch auf wirtschaftlicher Ebene zusammenkommen müssen.

Design kann auf jeden Fall einen bedeutsamen Beitrag leisten zur Veränderung und vielleicht auch Rettung der Welt. Ich bin davon überzeugt, dass einer der ersten Schritte für eine positive Veränderung Empathie ist. Und ich habe mittlerweile das Gefühl, dass viele Menschen vergessen, wie man emphatisch sein kann. Und hier sehe ich in meinen Projekten auch die Aufgabe, andere Lebensumstände nahe zu bringen, sodass sie für Menschen verständlicher sind und sie sich mit anderen Lebensrealtitäten auseinander setzen können und wollen. Bei meinem Projekt »Designing Dignity – Ein Menstruationskit für Selbstbestimmung und Würde auf der Flucht« war auch eines der Ziele, Geflüchtete aus der Anonymität von Nachrichten-Zahlen herauszuholen und sichtbar zu machen – und sie somit als Menschen wahrgenommen werden. Und auch, dass Menstruation weniger als Tabuthema verschwiegen wird, sondern ein Gesprächsfokus wird und sich über Erfahrungen ausgetauscht wird. Dieser Diskurs, der sich durch das Projekt sowohl zum Thema Flucht, wie auch zum Thema Menstruation entwickelt hat, halte ich für einen guten und spannenden Schritt in eine Richtung für mehr Verständnis und Empathie.

Im Studium entstehen Visionen für eine bessere Welt. Doch wie viel Raum gibt ihnen der Markt tatsächlich? Und wie können aus guten Ideen konkrete Veränderungen werden?

Das Studium ist ein geschützter Raum, in dem man Dinge radikal hinterfragen und Modelle entwickeln kann, die im bestehenden System vielleicht noch keinen Platz haben. Genau das ist extrem wertvoll, weil dort Alternativen überhaupt erst denkbar werden. Im Studium muss man noch nicht über die gleiche Weise darüber nachdenken, wie man mit den Projekten Geld verdienen kann, das ermöglicht einem eine Freiheit, die ich für sehr wichtig erachte. Natürlich ist es dann oft ein harter Reality Check, wenn man aus der Uni kommt und Herausforderungen auf einen zukommen, die man sich in der Form gar nicht vorstellen konnte. Daher finde ich es umso wichtiger, dass es ein Netzwerk und Plattformen für Newcomer:innen gibt, durch die der Austausch und das Zusammentun oder die Suche nach einem:r passenden Berufs-Partner:in vereinfacht wird.

Ich denke, dass viele sehr motiviert aus dem Studium kommen und es ist sehr wichtig diese Schaffensenergie zu erhalten, aber das ist nicht immer einfach – durch die Situation auf dem Job- oder Projektmarkt. Daher ist es umso wichtiger, dass der Einstieg in diese Welt durch bereits erprobte Gestalter:innen einfacher gemacht wird. Und dafür braucht es Orte und Möglichkeiten. Wie findet man jemand Passendes für ein Projekt? Mit wem kann ich mich austauschen, um jemanden für meine Expertise zu finden? Diese Fragen umtreibt viele und oft gibt es wenig Antworten. Darüber hinaus ist der Markt aber nicht die einzige Instanz, die entscheidet, ob eine Idee Realität wird. Gerade im Social Design können Kommunen, NGOs, Stiftungen, Forschung, Förderprogramme oder soziale Träger genauso entscheidend sein. Ich habe gelernt, dass gute Ideen oft nicht an ihrer Qualität scheitern, sondern daran, dass der richtige Kontext oder Partner fehlt. Deshalb interessiert mich zunehmend: Wer muss Teil eines Projekts werden, damit es weiterleben kann? Veränderung muss auch nicht immer heißen, dass ein Entwurf sofort hunderttausendfach produziert wird. Ein Pilot, eine neue Methode, ein Werkzeug oder ein veränderter Prozess kann bereits Wirkung erzeugen und später wachsen.

Wie sollen junge Designer:innen gesellschaftliche Verantwortung übernehmen, wenn sie zunächst ihre Miete bezahlen müssen? Und warum wird heute neben gestalterischer Exzellenz auch immer mehr unternehmerisches Denken verlangt?

Gesellschaftliche Verantwortung darf kein Luxus sein. Junge Designer:innen können nicht dauerhaft nur »für die gute Sache« arbeiten, wenn sie davon nicht leben können. Hier braucht es von unterschiedlichen Seiten neue Ansätze und Veränderungen. Zum einen müssen auch Unternehmen mehr Verantwortung übernehmen und jungen Designer:innen Möglichkeiten und Chancen eröffnen, die über ein unbezahltes Praktikum hinausgehen. Soziale und nachhaltige Gestaltung wird immer relevanter und wenn soziale oder inklusive Gestaltung gesellschaftlich relevant ist, muss sie auch entsprechend finanziert werden. Man kann diese Verantwortung nicht allein auf junge Designer:innen abwälzen. Zum anderen ist es auch sehr wichtig, dass bereits in Hochschulen darüber geredet wird, welche berufliche Möglichkeiten vorhanden sind, juristische Grundlagen wie Royalties und so weiter beigebracht werden und man so besser auf die Realität der beruflichen Welt vorbereitet wird. Zudem ist es auch wichtig, dass man den Wert der eigenen Arbeit versteht und diesen auch einfordern kann. Wir haben viele Fähigkeiten und diese sollten auch fair honoriert werden.

Wie bereits angemerkt ist Social Design gerade erst dabei, sich zu entwickeln und größer zu werden, aber man merkt an dem stetigen Wachstum, dass es gesellschaftlich relevant ist. Und für mich bedeutet Social Design nicht, weniger professionell oder wirtschaftlich zu arbeiten – eher im Gegenteil. Lösungen müssen unter realen Bedingungen funktionieren, langfristig tragfähig sein und von Organisationen oder Nutzer:innen tatsächlich weitergeführt werden können. Genau deshalb ist unternehmerisches Denken wichtig. Eine gute Idee hat wenig Wirkung, wenn niemand versteht, wie sie finanziert, produziert, implementiert oder skaliert werden kann. Gestaltung endet für mich nicht beim Objekt oder Konzept, sondern bei der Frage: Wie kommt es wirklich in die Welt?

Warum verlangen wir von jungen Designer:innen permanente Anpassungsfähigkeit, während sich Unternehmen und etablierte Strukturen oft nur langsam verändern? Wer muss hier eigentlich von wem lernen?

Oft ist es so, dass Anpassungsfähigkeit fast ausschließlich von jungen Designer:innen erwartet wird. Sie sollen neue Tools beherrschen, strategisch denken, interdisziplinär arbeiten, wirtschaftlich verstehen, kommunizieren, moderieren und gleichzeitig noch eine klare Haltung mitbringen. Ich würde sagen, dass Organisationen sich genauso fragen müssen, wie lernfähig sie selbst sind. Es reicht nicht, »frische Perspektiven« einzustellen, wenn Prozesse, Hierarchien oder Entscheidungswege diese Perspektiven anschließend erschweren. Aber ich verstehe auch, dass dies eine sehr große Herausforderung ist und nicht so schnell oder einfach umgesetzt werden kann in Unternehmen, da diese viel Verantwortung tragen, nicht zuletzt wirtschaftliche. Junge Designer:innen können von Erfahrung, Materialwissen, Produktionsrealitäten und institutionellem Wissen der Organisationen profitieren und lernen. Etablierte Strukturen können wiederum von neuen Methoden, anderen Perspektiven und einer höheren Bereitschaft zum Experiment lernen. Ein wichtiger Punkt wäre für mich: mehr Mentoring statt einer einseitigen Erwartungshaltung.

Wenn KI immer mehr gestalterische Aufgaben übernehmen kann: Welche Fähigkeiten werden für Designer:innen wirklich entscheidend? Welche Rolle spielen Erfahrung, Mut, Resilienz und die Bereitschaft, immer wieder neu zu lernen?

Ich denke, dass es hierbei einen spannenden Wechsel oder eine Transformation geben könnte. Wir lernen im Studium sehr viel über die Umsetzung von Transformation und werden aber oft auf dem Markt nur für die Gestaltung von Gegenständen eingesetzt. Unternehmen sehen nicht immer das Potential, dass wir auch Teil der Innovationsprozesse werden können. Durch den Zugang zu KI wird die Gestaltung mittlerweile viel von dieser übernommen und wird es möglicherweise immer mehr. Dies eröffnet nochmal neue Möglichkeiten, da wir als reine Gestalter:innen so teilweise nicht mehr gebraucht werden. Aber KI kopiert am Ende und nutzt bereits vorhandenes Material, das heißt, KI ist zu Innovation nicht wirklich im Stande.

Wir als Gestalter:innen jedoch schon, daher kann diese Transformation auch neue Möglichkeiten für Designer:innen bereit halten. Die Rolle von Designer:innen war schon immer abhängig von politischen und wirtschaftlichen Entwicklungen und hat sich stetig verändert. Wie gesagt, ich sehe Designer:innen oft als Chamäleons und ich denke, das darin auch eine große Stärke von uns liegt. Nicht, weil wir uns anpassen und unsere Formsprache keine Handschrift trägt, sondern weil sich unsere Rolle immer wieder verändert, weil andere Erwartungen gestellt werden und neue Fähigkeiten notwendig sind – und wir selbst oft Teil der Veränderungen für unsere Rolle sind.

Wir haben früh gelernt, uns für neue Umstände zu öffnen und wieder von vorne zu lernen. Oft ist es aufgrund der Unterschiedlichkeit der Themen bei jedem Projekt so, dass man immer wieder neu anfängt und neu lernt. Für mein Projekt »Cook/Ability« mit Menschen mit Tetraplegie bin ich tief in die Medizin eingestiegen und habe viel gelernt über die Herausforderungen der Welt für Menschen mit Einschränkungen. Dagegen habe ich durch »Designing Dignity« viel über Flucht, Religion, Menstruation und NGO-Strukturen gelernt. Trotzdem sammelt man natürlich durch alle Projekte Erfahrungen, die einem jedes weitere Projekt ein Stückchen weiter erleichtern, aber die Leidenschaft und Motivation wieder neu anzufangen und neu zu lernen, ist aus meiner Sicht ein wichtiger Teil des Gestaltens.

»You shape the world. Do it with love!« – wenn ihr der nächsten Generation von Designer:innen einen Gedanken mitgeben könntet, welcher wäre das?

Ich würde sagen: Gestaltet mit Tiefgang. Nicht nur mit Blick darauf, was technisch möglich oder ästhetisch überzeugend ist, sondern darauf, welche neuen Möglichkeiten sich durch eure Entscheidungen und Lösungen für andere Menschen eröffnen. Man muss nicht auf alles sofort eine Antwort haben. Gute Gestaltung beginnt oft mit der Bereitschaft, Unsicherheit auszuhalten und wirklich zu verstehen, bevor man perfekte Lösungen produziert. Neugier behalten. Gerade, weil sich Tools und Technologien so schnell verändern, ist die Fähigkeit zu lernen und offen für neue Möglichkeiten und Blickwinkel zu sein, sehr entscheidend. Das Wichtigste ist, dass man sich die richtigen Menschen sucht, auch aus anderen Disziplinen, und gemeinsam in dieser Welt mit sehr komplexen Problemen und Systemen Lösungsvorschläge entwickelt. Sucht euch Leute, die gut zu euch passen, aber einen frischen Blick und andere Fähigkeiten mit sich bringen und arbeitet gemeinsam an Projekten, die euch motivieren und inspirieren. Und was für mich noch ganz wichtig ist: Nicht nur für Menschen, sondern mit ihnen gestalten. Das verändert automatisch, welche Fragen man stellt und welche Lösungen entstehen. Und es eröffnet einem ganz neue Welten, die man sonst gar nicht kennengelernt hätte. Und zuletzt ist es wichtig, die eigene Haltung ernst zu nehmen, ohne zu glauben, dass man allein die Welt retten muss. Design kann viel bewegen, aber immer im Zusammenspiel mit anderen Disziplinen, Strukturen und Menschen.

Zum Interview mit Eric Schwarz

Zum Interview mit Tobias Trübenbacher

Veranstaltung mit vielen Tischen, eine Person steht mit dem Rücken in der Mitte
Stefan Lara Torres im Publikum beim Panel bei den German Design Graduates, Ausstellungseröffnung am 15.10.26. Bild: Lena Everding

 



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