James Bond, der Mann, der im Geheimdienst ihrer Majestät Dr. No jagt, in tödlicher Mission nur zweimal lebt und im Angesicht des Todes ein Quantum Trost findet, macht all dies und noch sehr viel mehr in Buch-, Comic-, Film- und Videospielform bereits seit über 0070 Jahren. Schon in wenigen Tagen wird mit „007 First Light“ ein neues Spiel in der legendären Serie veröffentlicht – ein guter Grund, mal in der Historie ebendieser Serie zu wühlen und fünf der besten Spiele ins Scheinwerferlicht zu stellen. Pardon, in den Feuerball.

Eigentlich geht Mr. Geschüttelt-nicht-gerührt bereits seit dem 1982er-Textadventure „Shaken But Not Stirred“ auf interaktive Bösewichterjagd. Aber das war eher ein Fanprojekt des Solo-Entwicklers Richard Shepherd. Das erste hochoffizielle Bond-Spiel erschien erst knapp zwei Jahre später auf damals aktuellen 8-Bit-Systemen wie Atari 2600 oder C-64, hieß schlicht „James Bond 007“ und war eine simple Mischung aus Shooter und Plattformer. Im Laufe der nachfolgenden Jahrzehnte wurden die Spiele um den Meisterspion aber natürlich immer ausgefeilter und abwechslungsreicher.

Platz 5: James Bond 007: The Duel (1993)

Timothy Daltons Karriere als 007 war vergleichsweise kurz, beschränkte sich nur auf zwei Filme („Der Hauch des Todes“, 1987, und „Lizenz zum Töten“, 1989) und war 1993 schon lange vorbei. Zu diesem Zeitpunkt herrschte noch ein Bond-Vakuum, Pierce Brosnan sollte die berühmte Rolle erst zwei Jahre später übernehmen. Insofern war es also nicht verwunderlich, dass Mr. Dalton sein markantes Gesicht für „James Bond 007: The Duel“ noch einmal hergeben musste. Und zwar genau das, das man schon vom „Lizenz zum Töten“-Filmposter kannte.

Bild 1 von 5

Ebendieses Spiel, entwickelt von der Mini-Firma „The Kremlin“ (die im Wesentlichen aus dem Programmierer/Designer Paul Margrave sowie vier Grafikern bestand), vertrieben von Domark und erschienen auf Segas Mega Drive, Master System und Game Gear, ist keine typische Bond-Ballerei, sondern eine fesselnde Mischung aus Action und Erkundung: Als Bond rennt und springt man durch vier Levels, befreit entführte Blondinen und gebietet den Plänen des durchgeknallten Dr. Gravemar Einhalt, während man sich mit der guten alten Walther PPK vertraute Bösewichter wie Beisser oder Oddjob vom Hals hält.

Platz 4: James Bond 007: Nightfire (2002)

Im November 2002 erschien „Stirb an einem anderen Tag“, der letzte Film, in dem Pierce Brosnan die Rolle des James Bond übernahm. Gleichzeitig stand auch ein offizielles Bond-Spiel in den Läden, das sein bekanntes Agentengesicht zeigte – aber das war, anders als „GoldenEye“ (1997), „Tomorrow Never Dies“ (1999) und „The World Is Not Enough“ (2000), kein offizielles Spiel zum Film, sondern ein eigenständiges Abenteuer namens „James Bond 007: Nightfire“. Das folgerichtig auch nichts mit der Handlung des Films zu tun hat, sondern seine eigene Geschichte erzählt. Die aber natürlich nicht sonderlich vom üblichen Bond-Schema abweicht und sich um den durchgeknallten Industriellen Raphael Drake dreht, der die Menschheit von seiner Raumstation aus mit Nuklearwaffen bedroht.

Bild 1 von 5

„Nightfire“ bietet zehn zum Teil sehr lange Levels lang eine reizvolle Mischung: Jede Menge Ego-Shooter-Action mit einem knappen Dutzend durchschlagskräftiger Waffen. Interessante Gadgets aus dem Q-Lab wie den Elektroschocker-Autoschlüssel, das Fotoapparat-Feuerzeug oder die Röntgenblick-Sonnenbrille mit selektivem Bond-Bonus. Und noch coolere Vehikel-Levels, zumindest in den (ohnehin deutlich empfehlenswerteren) Konsolenversionen.

Platz 3: From Russia With Love (2005)

Mit dem 2004 veröffentlichten „James Bond 007: Everything or Nothing“ setzte Electronic Arts einen fulminanten Schlussstrich auf die Brosnan-Ära: Der vom internen Team „EA Redwood Shores“ (später umbenannt in „Visceral Games“) entwickelte Shooter verabschiedete sich von der die vorherigen Spiele beherrschenden Ego-Perspektive und präsentierte Herrn Bond stattdessen aus einer Außenperspektive, die die atemlose Action sehr ansehnlich in Szene setzte.

Bild 1 von 5

Nur ein Jahr später wurde das gleiche System noch einmal genutzt, um eine spielbare Reise in die Vergangenheit zu machen – genauer gesagt zurück ins Jahr 1963, zum zweiten Bond-Film „Liebesgrüße aus Moskau“ (Original: „From Russia With Love“). Das Spiel nutzt ihn als Basis für Szenario und Figuren, erweitert beides im Laufe der 14 Levels (plus Bonusabschnitte) aber erheblich. So gibt es jetzt zum Beispiel eine neue Feindes-Organisation (OCTOPUS statt SPECTRE), den Aston Martin DB5 aus dem Film „Goldfinger“ (1964) oder das Jetpack aus „Feuerball“ (1965).

„From Russia With Love“ (erschienen auf Xbox, PlayStation 2, GameCube und PlayStation Portable) ist einmal mehr ein furioses Actionfest, das darüber hinaus mit der neu aufgenommenen Originalstimme von Sean Connery auch noch einen seltenen Authentizitätsbonus bietet.

Platz 2: James Bond 007: Blood Stone (2010)

Obwohl gerade die ersten beiden Daniel-Craigs-Bonds „Casino Royale“ (2006) und „Ein Quantum Trost“ (2008) sehr viel Action boten, erhielten sie keine eigenen Spiele. Stattdessen gab es mit dem 2008er „Quantum of Solace“ eine Art Mischmasch, das zwischen beiden Filmen spielte und einzelne Szenen aus beiden zum Teil deutlich erweiterte. Kein schlechtes Spiel, aber auch echt kein gutes.

Bild 1 von 5

Das folgte dann 2010 mit „James Bond 007: Blood Stone“, das aber schon wieder nicht auf einem Film basierte, sondern sein eigenes Süppchen kochte. Bemerkenswert an diesem Spiel war, dass es aus dem Hause Bizarre Creations stammte – einem britischen Entwicklungsstudio, das vor allem für seine zum Teil exzellenten Rennspiele der „Project Gotham Racing“-Serie berühmt war.

Kein Wunder also, dass „Blood Stone“ über einige ganz hervorragende Fahrszenen in diversen Aston-Martin-Modellen verfügt. Dazu gibt es noch zum Teil wunderbar brachial inszenierte Fern- und Nahkampf-Action, abermals präsentiert aus der Schulterperspektive und akustisch begleitet von einigen der damaligen Bond-Originaldarsteller, allen voran Daniel Craig und Judi Dench.

Platz 1: GoldenEye 007 (1997)

„GoldenEye 007“ war schon zu seinem ursprünglichen Erscheinen ungewöhnlich: Denn es war das offizielle Spiel zum Film „GoldenEye“, dem Einstand von Pierce Brosnan als James Bond. Dieser Film erschien allerdings 1995, während das Spiel erst zwei Jahre später in den Regalen stand. Und dann auch noch exklusiv ausgerechnet für das N64, der Familienkonsole von Nintendo mit dem bizarren Trident-Controller. Die Logik des Marktes diktierte eigentlich, dass dieses Spiel hätte untergehen müssen wie die Kauleiste von Beisser.

Bild 1 von 5

Da war ein Defekt in der Logik. Denn dieses von Rare in etwa zweieinhalb Jahren entwickelte Spiel sollte zum Megahit und einem der Must-Have-Titel fürs N64 werden, sich mehr als acht Millionen Mal verkaufen, dem bis dahin im Großen und Ganzen den Heimcomputern vorbehaltenen Ego-Shooter den Weg auf die Konsolen ebnen – und den lokalen Mehrspielerspaß in den Kinderzimmern dieser Welt auf alle Zeiten neu definieren. In den meisten zumindest. Denn in Deutschland wurde das Spiel am 18. März 1998 durch die damalige Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Schriften als „ein äußerst brutales Spiel, dessen wesentlicher Inhalt in dem detailfreudig gezeigten Töten von Menschen besteht“ eingestuft, das „auf Kinder und Jugendliche verrohend“ wirke, und vom Markt wegindiziert werden müsse. Was dann direkt geschah und bis zum 29. Oktober 2021 auch so blieb.

Klar, die Zeiten, als das hier Gezeigte als „wie in echt!“ klassifiziert wurde, sind lange vorbei. Und Mehrspielerregeln wie „Keiner guckt dem anderen auf den Bildschirm! Und niemand nimmt Oddjob!“ müssen im Zeitalter von Online-Gefechten auch nicht mehr aufgestellt werden. Und dennoch kann man beim Spielen selbst heute noch, fast 30 Jahre nach seiner Ursprungsveröffentlichung, spüren, wieso „GoldenEye 007“ bei den meisten Fans nach wie vor als das beste Bond-Spiel aller Zeiten gilt. Es hat einfach den Goldfinger.

(dahe)

Während sich Videospiele seit den ersten Heimcomputern von einfachen Pixelkulissen zu riesigen, glaubhaft simulierten Welten entwickelt haben, wirken Gespräche mit NPCs oft noch erstaunlich statisch. Spieler klicken sich meist durch fest definierte Antworten und vorgefertigte Dialogbäume. KI-Sprachmodelle versprechen einen neuen Ansatz mit natürlicheren Gesprächen und NPCs, die dynamisch auf das reagieren, was Spieler sagen.

Arvore gehört zu den ersten Studios, die ernsthaft mit diesen Möglichkeiten experimentieren. Dessen märchenhafte VR-Erfahrung „Fabula Rasa: Dead Man Talking“ ist ein früher, aber vielversprechender Versuch, in dieses Neuland vorzudringen.

Bislang war das KI-gestützte Storytelling-Experiment nur auf Festivals wie dem SXSW zu sehen, wo es einen Publikumspreis gewann. Wir haben „Fabula Rasa“ ausprobiert und waren trotz seines frühen Entwicklungsstands fasziniert von den Möglichkeiten, die sich hier auftun. Gleichzeitig stellte sich die Frage, ob „Fabula Rasa“ überhaupt noch ein klassisches Videospiel ist oder eine neue Form interaktiver Erfahrung.

Wenn ein Videospiel rhetorisches Geschick verlangt

Der Name ist eine Anspielung auf die lateinische Redewendung „Tabula rasa“, nur dass hier nicht die Tafel unbeschrieben ist, sondern ausdrücklich die „Fabula“, also die Geschichte selbst, die durch Äußerungen des Spielers mitgestaltet wird.

Der Einstieg ist kafkaesk: Man erwacht in einem Kerker, während ein ogerhafter Protokollant verkündet, man habe ein Verbrechen begangen und werde einem Monster zum Fraß vorgeworfen. Er fordert den Spieler auf, Namen und Beruf zu nennen, und will außerdem wissen, welches Delikt ihm zur Last gelegt wird. Wir antworteten auf Englisch, wir seien Journalist und hätten Gerüchte über den König verbreitet.

Nach dem Abtransport auf einen mittelalterlichen Markt- und Richtplatz treten nach und nach verschiedene Charaktere an den Käfig und verwickeln den Spieler in Gespräche, darunter eine Hexe, eine Bardin und der Vollstrecker selbst, die jeweils eigene Persönlichkeiten und Anliegen haben.

Ziel ist es, die Figuren für sich zu gewinnen, damit sie beim bald eintreffenden König ein gutes Wort einlegen und das Todesurteil abwenden. Die Charaktere nennen den Spieler beim Namen und kommen wiederholt auf den genannten Beruf zurück. Die Bardin fragte uns etwa, welche Gerüchte wir verbreitet hätten und ob es Zeugen dafür gebe, bevor sie daraus ein Lied improvisierte. Statt in generisches NPC-Geschwätz zu verfallen, reagierten die Charaktere mit schnippischen Kommentaren und überraschend passenden Nachfragen.

Was uns ebenfalls überraschte, war, wie konsequent das Spiel einen immer wieder in Situationen brachte, die verbales Improvisationstalent und rhetorisches Geschick verlangen, also Fähigkeiten, die herkömmliche Videospiele in dieser Form eigentlich kaum einfordern. Das machte die Spielerfahrung gleichermaßen herausfordernd wie neu. In zwei jeweils etwa 30-minütigen Spieldurchläufen entwickelten sich die Gespräche unterschiedlich, je nachdem, welche Persona wir verkörperten. Weil die Handlung in ein Szenario eingebettet ist und von einem Ensemble an Figuren gelenkt wird, waren wir nie versucht, die Gespräche in Richtungen abdriften zu lassen, die nichts mehr mit der eigentlichen Erzählung zu tun haben.

Mehr Live-Theater als Videospiel

Inspiration für „Fabula Rasa“ fanden die Entwickler nicht etwa bei anderen Videospielen, sondern im Improvisationstheater. „Der Spieler erschafft spontan gemeinsam mit KI-gesteuerten Figuren eine Geschichte, wodurch sich die Erfahrung weniger wie das Steuern eines Spiels anfühlt als wie das Betreten einer Live-Aufführung“, sagt das Studio. Die an familienfreundliche Animationsfilme erinnernde visuelle Gestaltung soll dabei nicht nur die düstere Ausgangslage auflockern, sondern mit bewusst überzeichneten Figuren auch vermitteln, Teil einer theatralischen Inszenierung zu sein.

Um zu verstehen, was eine gute Szene ausmacht, arbeitete das Team mit einem professionellen Improvisationskomiker zusammen und versuchte, dessen Verhaltensmuster auf das KI-System zu übertragen. Auf technischer Ebene kombiniert die VR-Erfahrung mehrere KI-Modelle: Anthropics Claude steuert Persönlichkeit, Dialoge und spontane Reaktionen der Figuren, während ElevenLabs die Sprachsynthese übernimmt. ChatGPT fungiert im Hintergrund als eine Art „KI-Regisseur“, der Handlung, Kontext und den Zustand der Spielwelt koordiniert und den Figuren passende Informationen zuführt. Die Plattform Convai verbindet diese Systeme schließlich mit den Spielmechaniken und Abläufen.

Arvore gehört zu einer wachsenden Zahl von Studios, die mit KI-gestützten NPC-Dialogen experimentieren. Eine grundlegende Schwäche teilt sich „Fabula Rasa“ mit vielen ähnlichen Projekten: Auf sprachliche Äußerungen folgen oft lange Pausen, die den Gesprächen ihre Unmittelbarkeit nehmen und die Immersion beeinträchtigen. Langfristig könnten lokal ausgeführte KI-Modelle helfen, solche Pause zu verkürzen.

Gespräche als Spielmechanik

Keine Frage: Spiele mit KI-gestützten NPC-Gesprächen stecken noch ganz am Anfang und kämpfen mit technischen Kinderkrankheiten. Dennoch sorgt „Fabula Rasa“ schon jetzt für einen Aha-Moment: Sich auf annähernd natürliche Weise mit Spielfiguren zu unterhalten, fühlt sich wie ein großer Schritt hin zu glaubwürdigeren Spielwelten an. Von Spielern werden plötzlich ganz neue Fähigkeiten verlangt, wodurch auch eine neue Form des Spielens entstehen könnte. Man stelle sich etwa ein Detektivspiel vor, in dem man Verdächtigen in Kreuzverhören Beweise oder Geständnisse herauskitzeln muss, ein Rollenspiel, in dem geschicktes Feilschen zu besseren Preisen führt, oder ein Survival-Spiel, in dem man eine Gruppe Überlebender durch Worte zusammenhält.

Mit dieser Art von Spiel könnte die Branche auch neue Zielgruppen erreichen, die klassischen Spielmechaniken bislang eher wenig abgewinnen konnten. Wir ließen „Fabula Rasa“ von einer Person ausprobieren, die mit traditionellen Videospielen sonst kaum etwas anfangen kann und die begeistert auf die Erfahrung reagierte.

„Fabula Rasa“ wurde ursprünglich für PC-VR entwickelt. Wir haben eine Quest-Demo ausprobiert, die derzeit noch optimiert wird und Ende 2026 als kommerzielle Version erscheinen soll. Die Demo unterstützte ausschließlich Englisch, während die PC-Fassung zusätzlich Französisch, Portugiesisch und Spanisch bietet. Eine deutsche Sprachoption ist zumindest zum Start nicht geplant.

(tobe)

Fotografien und Kameras transportieren in Kinofilmen Bedeutung, Erinnerungen oder Wahrheit. In dieser Folge sprechen die Redakteure Judy Hohmann und Hendrik Vatheuer über Kinoklassiker und neuere Filme, in denen Fotografie eine tragende Rolle spielt. Von „Blow-Up“ über „Memento“ bis zu Wes Andersons „Asteroid City“ reicht die Auswahl. Dabei setzen Regisseure das Medium Fotografie höchst unterschiedlich ein.

Wahrheit und Erinnerung

Im Sechzigerjahre-Thriller „Blow-Up” vergrößert ein Modefotograf ein vermeintliches Tatortfoto immer weiter, bis schließlich nur noch das grobe Korn sichtbar ist. In „Memento” wiederum dienen Polaroids als Gedächtnisstütze eines Mannes ohne Kurzzeitgedächtnis und zeigen, wie leicht sich Bilder manipulieren lassen.

In dem Film „One Hour Photo“ wird Robin Williams, ein einsamer Laborangestellter, zum Stalker und zu einer menschlichen Cloud. Lee Millers Biopic „Die Fotografin” stellt den weiblichen Blick auf den Zweiten Weltkrieg ins Zentrum. Jeder dieser Filme stellt eine wichtige Grundfrage immer wieder neu: Was kann Fotografie eigentlich beweisen?

Nostalgie und Nerdtum

Besonders verspielt geht Wes Anderson in „Asteroid City“ mit dem Thema um, und erfindet sogar eine eigene Kameramarke namens „Müller-Schmidt“ mit der „Swiss Mountain Camera“. Dahinter steckt ein umgebauter russischer Nachbau einer Contax-Messsucherkamera – eine Freude für Foto-Nerds. Auch die Nikon F taucht in zahlreichen Klassikern wie „Apocalypse Now“ auf und steht sinnbildlich für den Fotojournalismus ihrer Zeit. Warum Teleobjektive Voyeure verraten und welches Lee-Miller-Foto Hendrik Vatheuer bis heute verfolgt, verrät er in der aktuellen Folge.

Jeden zweiten Sonntag um 9 Uhr erscheint eine neue Folge von Click Boom Flash, dem Podcast des Magazins c’t Fotografie. Sie finden ihn in allen großen Podcast-Verzeichnissen. Hören Sie jetzt rein, mit Apple Podcasts, Spotify, Amazon Music oder als in der Podcast-App Ihrer Wahl.

(hoh)