Obwohl Autofahrer in ganz Deutschland über die hohen Spritpreise klagen, fahren sie offenbar nicht messbar weniger. Eine Analyse des Verkehrsdatenspezialisten TomTom für die Deutsche Presse-Agentur ergab keinen relevanten Rückgang der Fahrleistung. Im Gegenteil: Es wurde sogar noch etwas mehr gefahren – allerdings aus anderen Gründen.

„Unsere Daten liefern keinen Hinweis darauf, dass die Fahrleistung in der Hochpreisphase spürbar zurückgegangen ist“, sagt ein TomTom-Sprecher. Und weiter: „Stattdessen lag sie in den betrachteten Zeiträumen tendenziell höher. Das könnte mit der typischen saisonalen Belebung der Mobilität im Frühjahr zusammenhängen. Falls die höheren Spritpreise überhaupt einen kleinen dämpfenden Effekt hatten, ist er in den Daten jedenfalls nicht erkennbar.“

Ähnlich wie zu Beginn des Ukraine-Krieges

Offenbar reiche der Anstieg der Preise nicht aus, um eine echte Veränderung im Verhalten auszulösen. Das deckt sich mit einer ähnlichen Untersuchung aus der Zeit kurz nach Beginn des Ukraine-Krieges, als die Spritpreise ebenfalls massiv gestiegen waren. Damals hatte sich auch in den auf der Autobahn gefahrenen Geschwindigkeiten kein relevantes spritsparendes Verhalten erkennen lassen.

Basis der Betrachtung sind die von mehreren Millionen Fahrzeugen zurückgelegten Strecken, deren Daten TomTom anonym erfasst. Am 5., 9. und 10. März – also zu Zeiten, als die Spritpreise bereits massiv angezogen hatten – zeigte sich dabei ein um einige Prozent höheres Fahraufkommen als am 26. Februar vor Kriegsbeginn sowie dem 2. und 3. März, an denen die Preise noch bei weitem niedriger waren. Das gilt sowohl für den Vergleich der drei Tage zusammen, als auch für den Vergleich der jeweils zusammenpassenden Wochentage.

Bahn verzeichnet höhere Nachfrage

Die Deutsche Bahn verzeichnet derzeit allerdings vor allem im Fernverkehr eine gestiegene Nachfrage und führt das auf die gestiegenen Spritpreise zurück. „Auch wenn die Nachfrage tagesweise stark schwankt, stellen wir fest, dass die Buchungen in den letzten Tagen deutlich über den bisherigen Prognosen liegen“, teilte der bundeseigene Konzern mit. „An einzelnen Tagen sogar bis zu 10 Prozent über Vorjahr.“ Im Regionalverkehr der Deutschen Bahn hingegen sei die Entwicklung schwieriger zu messen – auch, weil dort der Wettbewerb mit anderen Verkehrsunternehmen auf der Schiene deutlich größer sei als im Fernverkehr.

Der Verband Deutscher Verkehrsunternehmen (VDV) teilte mit, für eine bundesweite Einschätzung der Nachfrage im Regionalverkehr infolge von Spritpreisen sei es noch zu früh. Der Berliner Carsharing-Anbieter Miles verzeichnet bislang hingegen keine höhere Nachfrage, die sich direkt auf die gestiegenen Benzin- und Dieselpreise zurückführen lasse. „Grundsätzlich ist ein solcher Effekt aber denkbar“, teilte das Unternehmen auf Anfrage mit. „Gerade in Zeiten, in denen der Unterhalt eines eigenen Pkw durch steigende Versicherungs-, Werkstatt- und Energiekosten zunehmend schwer kalkulierbar wird, sehen wir Carsharing als eine wirtschaftlich sinnvolle Alternative für viele Menschen in der Stadt.“

(nie)

Es gibt Wochen, in denen die Fotowelt vor allem mit sich selbst beschäftigt ist – und zwar auf eine Art, die sich lohnt. Keine neuen Kameras, keine Firmware-Updates, dafür gleich mehrere Debatten, die an den Grundfesten rütteln: Was ist ein Foto wert? Was macht ein Foto zur Kunst? Und darf ein Bild eigentlich einfach nur schön sein, ohne dass sich jemand dafür schämt? Fangen wir mit dem Ärgerlichsten an.

Kent verkauft Tony-Ray-Jones-Archiv – Historiker entsetzt

Wenn eine britische Kommunalverwaltung Kunst verkauft, ist das selten ein gutes Zeichen. Dass der Kent County Council nun 33 Fotografien von Tony Ray-Jones versteigert hat, ist allerdings mehr als ein Verwaltungsakt – es ist ein kultureller Verlust. Ray-Jones gilt als einer der wichtigsten britischen Fotografen der Nachkriegszeit. Mit seiner Leica M, manchmal im Regenmantel versteckt, dokumentierte er Ende der 1960er-Jahre das englische Alltagsleben: Schönheitswettbewerbe in Margate, Dickens-Festivals in Broadstairs, May-Queen-Feiern in Chatham. Sein Stil – ungestellt, beobachtend, mit trockenem Humor – prägte eine ganze Generation, allen voran Martin Parr.

Ray-Jones starb 1972 mit nur 31 Jahren. Sein Buch A Day Off erschien posthum und wurde zur Referenz der britischen Dokumentarfotografie. Dass ausgerechnet Originale aus diesem Werk nun unter den Hammer kamen, weil der Council „keine geeigneten Lageralternativen“ fand und unter „erheblichem finanziellen Druck“ steht, sorgt zu Recht für Empörung. Fotohistoriker Michael Pritchard bringt es auf den Punkt: Der kurzfristige finanzielle Gewinn gehe auf langfristige kulturelle Kosten der Bevölkerung von Kent. Besonders pikant: Die Bilder wurden keinem einzigen Museum oder keiner Galerie der Region angeboten. Man fragt sich, ob der zuständige Beamte wenigstens wusste, was er da weggab – oder ob die Fotos für ihn einfach „alte Bilder im Keller“ waren.

Technische Perfektion ist keine Kunst – oder doch?

Während in Kent Fotogeschichte verramscht wird, tobt in der Online-Fotowelt eine Debatte, die so alt ist wie die Digitalfotografie selbst, aber gerade wieder erstaunlich frisch wirkt. Der Fotograf Adam Matthews hat einen Essay veröffentlicht, der eine unbequeme These vertritt: Viele Fotografen verwechseln technische Exzellenz mit künstlerischem Ausdruck. Ein perfekt belichtetes, rasiermesserscharfes Bergpanorama im Morgenlicht sei zwar beeindruckend – aber es sage eben nicht viel mehr als: „Schaut mal, ein Berg im Morgenlicht.“

Matthews unterscheidet drei Kategorien: die Alltagsfotografie (Schnappschüsse, Erinnerungsbilder, Dokumentation), die Kunstfotografie (mit interpretierendem, ausdrückendem Anspruch) und – das ist sein interessantester Beitrag – eine dritte Kategorie, die er „technische Vernakularfotografie“ nennt. Gemeint sind Bilder, die über den Schnappschuss hinausgehen, weil sie handwerklich exzellent gemacht sind, aber dennoch beim Beschreiben stehenbleiben, statt zu interpretieren. Der Fotograf zeigt auf die Welt und sagt: „Ist das nicht unglaublich?“ – mit großem Können, aber ohne eigene Aussage.

Man kann darüber streiten, ob diese Dreiteilung nicht etwas zu ordentlich ist für die Wirklichkeit – ein Kommentator merkte trocken an, Matthews strecke eine im Grunde einfache Erkenntnis zu einer elaborierten Theorie. Aber der Kern trifft: Wer seine gesamte fotografische Entwicklung in bessere Sensoren, schärfere Objektive und perfektere Belichtung investiert, landet möglicherweise in einer Sackgasse, die zwar auf Instagram glänzt, aber in keiner Galerie hängen würde. Und umgekehrt: Wer meint, Kunst brauche keine Technik, irrt ebenso.

Authentizität ist das neue Premium

Passend zu dieser Debatte – und gewissermaßen als marktwirtschaftlicher Beweis – liefert Alex Cooke eine Analyse, die aufhorchen lässt: Im Jahr 2026 ist Authentizität die kommerziell erfolgreichste Ästhetik in der Fotografie. Nicht trotz, sondern wegen der technischen Perfektion, die heute jeder erreichen kann.

Die Logik ist bestechend: Wenn KI-generierte Bilder technisch makellos und nahezu kostenlos verfügbar sind, hört Perfektion auf, ein Unterscheidungsmerkmal zu sein. Was knapp und damit wertvoll wird, ist das, was KI nicht kann: echte Anwesenheit in einem echten Moment. Marken zahlen inzwischen mehr für Bilder, die aussehen, als wären sie mit einer Einwegkamera geschossen worden. Hochzeitspaare buchen Fotografen, die versprechen, sich rauszuhalten statt jede Szene zu inszenieren. Auf Stock-Plattformen überholen Suchbegriffe wie „unfiltered“ und „candid“ die klassischen „professional“ und „studio“.

Die Ironie dabei: „Authentisch“ ist längst ein Stil, den man planen muss. Filmkorn, das sich wie echtes Filmmaterial verhält. Leicht schiefe Kompositionen, die Präsenz signalisieren. Bewegungsunschärfe als bewusstes Gestaltungsmittel. Das alles erfordert mindestens so viel Können wie ein perfekt ausgeleuchtetes Studioporträt – nur dass die Kunstfertigkeit unsichtbar bleiben muss. Wer mit einer Fujifilm X100VI oder einer Ricoh GR in eine Session geht statt mit einem Vollformat-Body samt Batteriegriff und 70-200mm auf Einbeinstativ, bekommt andere Bilder – nicht weil die Kamera technisch anders ist, sondern weil die soziale Dynamik eine andere wird. Das Gegenüber vergisst, dass fotografiert wird. Und genau dort entstehen die Bilder, für die heute Premiumpreise gezahlt werden.

Ein Kommentator unter dem Artikel erinnerte allerdings daran, dass „authentisch“ ein bewegliches Ziel bleibt: „Die meisten Menschen wollen natürlich und entspannt aussehen – aber bitte ohne echte Stirnfalten, Augenringe und Altersflecken.“ Touché.

Lob des schönen Bildes

Und dann ist da noch ein Video der Fotografin Bergreen, das eine erfrischend einfache These vertritt: Schöne Bilder verdienen mehr Respekt. In einer Welt, die Kante, Provokation und konzeptuelle Schwere belohnt, braucht es tatsächlich Mut, um zu sagen: Meine Kamera ist dazu da, Schönheit zu bemerken und zu bewahren. Nicht als Dekoration, nicht als Eskapismus, sondern als eine Form der Aufmerksamkeit.

Bergreen beschreibt Fotografie als „Dankbarkeit in Aktion“ – ein Sonnenaufgang, Wildblumen, Licht auf einem vertrauten Felsen. Je öfter man nach Schönheit sucht, desto mehr sieht man sie, und die Bilder folgen dieser Haltung. Der praktische Rat: An einen Ort gehen, der einen normalerweise inspiriert. Die Kamera mitbringen, aber in der Tasche lassen. Erst sitzen, gehen, den Ort wirken lassen. Dann erst komponieren. Das klingt beinahe meditativ – und ist vielleicht genau das Gegenprogramm zur hektischen Jagd nach dem nächsten viralen Bild.

Was bleibt

Diese Woche zeigt, dass die spannendsten Entwicklungen in der Fotografie gerade nicht in Datenblättern stattfinden, sondern in den Köpfen. Ein Archiv, das verschwindet, erinnert daran, dass Fotografien physische Objekte sind, die Pflege und Wertschätzung brauchen. Die Debatte um Technik und Kunst zeigt, dass bessere Kameras keine besseren Fotografen machen – nur besser ausgerüstete. Und der Trend zur Authentizität beweist, dass der Markt manchmal klüger ist als die Branche: Was zählt, ist nicht das perfekte Bild, sondern das wahre.

In diesem Sinne: Lassen Sie die Kamera ruhig mal in der Tasche. Schauen Sie erst. Und wenn das Licht sich über den Felsen bewegt – dann sind Sie bereit.

(tho)

Auch in dieser Woche zeigt die c’t‑Foto-Community, wie vielseitig Fotografie sein kann. Die ausgewählten Bilder reichen von stillen Landschaften und architektonischen Linien bis zu experimentellen Nahaufnahmen. Licht spielt dabei oft die Hauptrolle: Es zeichnet Strukturen nach, lässt Farben aufleuchten oder formt grafische Kontraste. Manche Motive wirken fast abstrakt, andere erzählen leise Geschichten aus Natur und Alltag.

Auffällig ist das Gespür der Fotografen für klare Bildgestaltung. Linien führen den Blick, reduzierte Kompositionen schaffen Ruhe, und gezielt eingesetzte Schärfe trennt Motiv und Hintergrund. Ob Winterwald, Ostseestrand oder nächtlicher Himmel – jedes Bild nutzt fotografische Technik und Perspektive, um vertraute Motive neu zu zeigen. So entsteht eine abwechslungsreiche Reise durch unterschiedliche Stimmungen und Bildideen.

Königsberg – Discolights von dg9ncc

Auf einem Hügel stehen kahle Bäume als schwarze Silhouetten. Über ihnen leuchten Polarlichter in Rosa und Grün. Der Sternenhimmel wirkt klar und ruhig. Die Baumgruppe steht genau auf der Kuppe. Der Horizont teilt das Bild sauber. Die senkrechten Lichtstrahlen erinnern an Scheinwerfer und setzen starke Akzente im weiten Himmel. Es ist kein grelles Spektakel, sondern ein stiller Moment mit der Aurora Borealis.

Zur Entstehung der Aufnahme berichtet der Fotograf: „Eine Besonderheit ist die verwendete Linse: Eine 14mm-20 mm f/2.0 Tokina APS-C Linse adaptiert auf „fullframe“ und ein wenig geschnitten, um die Vignette zu verbergen. Die Fotografie besteht aus einer einzigen Aufnahme, sie ist nicht gestackt, es war einfach hell genug, um auch den Vordergrund herauszuarbeiten und um etwas Tiefe ins Bild zu bekommen. Mit dem Stacking gingen die einzelnen Leuchterscheinungen der Aurora in einem Summenbild unter. Diese Aufnahme habe ich ausgewählt, weil wenig grünes Licht enthalten ist und das rote Band mit den helleren Vorhängen mehr Ruhe ausstrahlt.“

jemand zuhause? von uschi1956

Ein Schneckenhaus leuchtet von innen wie eine kleine Laterne. Das warme Gelb und Orange strahlt durch die spiralförmigen Windungen und zieht den Blick ins Zentrum. Davor liegen dunkle Pflanzen, die das Licht rahmen. Die Fotografin rückt ganz nah heran. Das Licht macht die feinen Strukturen sichtbar und trennt das helle Haus klar vom schwarzen Hintergrund. So wirkt das Schneckenhaus wie ein bewohntes Miniaturhaus. Das Bild verwandelt die Natur in ein stilles Bühnenmotiv.

Alles schmilzt von Rudolf Wildgruber

Das Bild zeigt Eis aus einer Regentonne, dessen wellige Oberfläche ein intensives Farbspektrum in den Farben Rot, Grün, Blau und Gold zaubert. Der Fotograf ist sehr nah an das Motiv herangegangen und zeigt so die Strukturen und Muster in einer fast abstrakten Ansicht. Linien und Blasen durchziehen die Fläche wie flüssiges Glas. Die Farben setzen starke Akzente in diesem Gewirr aus Formen. So wird ein Stück Eis zum Experiment mit Licht. Das Bild zeigt eindrucksvoll, wie aus Alltäglichem ein Farbrausch entstehen kann.

Über das Bild berichtet der Fotograf: „Es ist immer wieder faszinierend, welche Strukturen sich in einer Eisplatte durch geschickte Beleuchtung entdecken lassen. In diesem Fall war das Eis bereits einige Zeit der Sonne ausgesetzt, die die harten Kanten durch Schmelzen gerundet hat. Mithilfe eines Prismas leite ich das Sonnenlicht auf ein Stück Eis und verstärke die Farben und die Konturen anschließend in einem Bildbearbeitungsprogramm.“

S t u t t g a r t von Joachim Kiner

Der Stuttgarter Fernsehturm ragt klar und schlank in den fast weißen Himmel. Keine Ablenkung, kein Beiwerk, nur dieses eine Bauwerk. Der Fotograf setzt auf Highkey: Der helle Hintergrund lässt den Turm wie eine grafische Linie im Raum wirken. In Schwarz-Weiß gehalten und mit Colorkey auf den roten Antennenelementen zieht der Blick sofort nach oben. Die Komposition und die strenge Vertikale geben dem Bild Ruhe und Kraft zugleich. So wird aus Architektur ein Statement.

Lichtspuren im Schatten von Matthias.Portrait

Ein Passant kreuzt einen Platz, doch die Hauptrolle spielt hier das Licht. Auf dem gepflasterten Boden liegen dichte Schatten und helle Bahnen, als hätte jemand ein Muster auf die Steine gemalt. Die Backsteinfassade mit ihren runden Fenstern und der gezackten Kante oben verstärkt dieses Spiel der Formen, das nur bei hohem Sonnenstand zu sehen ist. Die Schwarzweiß-Umsetzung schärft die Kontraste und nimmt jede Ablenkung durch Farbe heraus.

Stille von Lula

Sanfte Wellen laufen über den winterlichen Strand der Ostsee bei Rerik. Im Vordergrund liegen dunkle Steine im flachen Wasser. Der helle Schaum umspült sie und zeichnet feine Linien in den Sand. Dahinter ruht der Horizont in kühlen, gedämpften Farben.

dry my wings von anbeco4macro

Ein Kormoran steht am Wasser und breitet seine Flügel aus, um das Gefieder zu trocknen. Sein dunkles Federkleid wirkt fast metallisch, und im Licht zeigt sich die feine Struktur der Federn. Der gelbe Bereich am Schnabel setzt einen starken Farbakzent. Der dunkle Hintergrund verstärkt den Kontrast und hebt das Tier klar hervor. Die ausgebreiteten Flügel füllen das Bild aus und betonen dessen Größe und Form. So entsteht ein eindrucksvolles Porträt dieses Wasservogels in einer ruhigen, starken Pose.

Galeriefotografin Anne Bender erläutert den Hintergrund: „Bei einem Fotospaziergang im Bühler Schlosspark entdeckte ich den Kormoran am Ufer. Er saß ruhig, mit ausgebreiteten Flügeln, in der Sonne und trocknete sein Gefieder. Die Gelegenheit habe ich genutzt und einige Fotos geschossen. Die anschließende Bildbearbeitung, zum Beispiel Abdunkelung des Hintergrundes und Erhöhung des Kontrastes auf dem Gefieder, gibt dem Bild Dramatik, stellt den Vogel in den Vordergrund und betont den metallischen Charakter seines Federkleides.“

(vat)